54 peintures célèbres réalisées par des artistes célèbres

Être un artiste célèbre de votre vivant ne garantit pas que d'autres artistes se souviendront de vous. Avez-vous entendu parler du peintre français Ernest Meissonier?

Il était contemporain d'Edouard Manet et de loin l'artiste le plus abouti en ce qui concerne la critique et les ventes. L'inverse est également vrai, avec Vincent van Gogh. Van Gogh comptait sur son frère, Theo, pour lui fournir de la peinture et de la toile, mais aujourd'hui, ses peintures atteignent des prix records chaque fois qu'elles sont vendues aux enchères d'art, et c'est un nom familier.

Regarder des peintures célèbres passées et présentes peut vous apprendre beaucoup de choses, y compris la composition et la manipulation de la peinture. Bien que la leçon la plus importante soit probablement, vous devez en fin de compte peindre pour vous-même, pas pour un marché ou une postérité.

«Veille de nuit» - Rembrandt

Veille de nuit - Rembrandt
"Night Watch" de Rembrandt. Huile sur toile. Dans la collection du Rijksmuseum à Amsterdam.Rijksmuseum / Amsterdam

La peinture "Night Watch" par Rembrandt est dans le Rijksmuseum à Amsterdam. Comme le montre la photo, c'est une immense peinture: 363x437cm (143x172 "). Rembrandt l'a terminé en 1642. Son vrai titre est «La société de Frans interdisant Cocq et Willem van Ruytenburch», mais il est mieux connu sous le nom de Veille de nuit. (Une compagnie étant un garde de milice).

La composition du tableau était très différente pour la période. Au lieu de montrer les personnages d'une manière ordonnée et ordonnée, où tout le monde a eu la même importance et la même place sur la toile, Rembrandt les a peints comme un groupe occupé en action.

Vers 1715, un bouclier a été peint sur le "Night Watch" contenant les noms de 18 personnes, mais seuls certains des noms avaient été identifiés. (Alors rappelez-vous si vous peignez un portrait de groupe: dessinez un diagramme au dos pour aller avec les noms de tout le monde si futur les générations le sauront!) En mars 2009, l'historien néerlandais Bas Dudok van Heel a finalement élucidé le mystère de qui est qui dans le La peinture. Ses recherches ont même permis de trouver des vêtements et accessoires représentés dans la «Veille de nuit» mentionnée dans les inventaires de les domaines familiaux, qu'il a ensuite rassemblés avec l'âge des différents miliciens en 1642, l'année où le tableau était terminé.

Dudok van Heel a également découvert que dans le hall où la «Veille nocturne» de Rembrandt a été accrochée pour la première fois, il y avait six groupes portraits d'une milice présentés à l'origine dans une série continue, et non six peintures distinctes comme cela a longtemps été pensait. Au contraire, les six portraits de groupe de Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart et Flinck formaient une frise ininterrompue, assorties l'une à l'autre et fixées dans les boiseries de la pièce. Ou, c'était l'intention. "Night Watch" de Rembrandt ne correspond pas aux autres peintures, ni en composition ni en couleur. Il semble que Rembrandt n'ait pas adhéré aux termes de sa commission. Mais alors, s'il l'avait fait, nous n'aurions jamais eu ce portrait de groupe du XVIIe siècle remarquablement différent.

"Lièvre" - Albrecht Dürer

Lapin ou lièvre - Albrecht Dürer
Albrecht Dürer, Hare, 1502. Aquarelle et gouache, pinceau, rehaussée de gouache blanche.Musée Albertina

Communément appelé le lapin de Dürer, le titre officiel de cette peinture l'appelle un lièvre. La peinture est dans la collection permanente de la Collection Batliner de la Musée Albertina à Vienne, en Autriche.

Il a été peint à l'aquarelle et à la gouache, avec les reflets blancs réalisés à la gouache (plutôt que d'être le blanc non peint du papier).

C'est un exemple spectaculaire de la façon dont la fourrure peut être peinte. Pour l'imiter, l'approche que vous adopterez dépend de votre patience. Si vous avez des tas de choses, vous peindrez à l'aide d'un pinceau fin, un cheveu à la fois. Sinon, utilisez une technique de pinceau sec ou fendez les poils sur un pinceau. La patience et l'endurance sont essentielles. Travaillez trop rapidement sur de la peinture humide et les traits individuels risquent de se fondre. Ne continuez pas assez longtemps et la fourrure semblera usée.

Fresque du plafond de la chapelle Sixtine - Michel-Ange

Chapelle Sixtine
Vue dans son ensemble, la fresque du plafond de la Chapelle Sixtine est impressionnante; il y a tout simplement trop à absorber et il semble inconcevable que la fresque ait été conçue par un seul artiste.Franco Origlia / Getty Images

La peinture de Michel-Ange du plafond de la chapelle Sixtine est l'une des fresques les plus célèbres au monde.

La chapelle Sixtine est une grande chapelle du palais apostolique, la résidence officielle du pape (le chef de l'Église catholique) au Vatican. Il contient de nombreuses fresques peintes par certains des plus grands noms de la Renaissance, y compris des fresques murales du Bernin et de Raphaël, mais est surtout célèbre pour les fresques au plafond de Michel-Ange.

Michel-Ange est né le 6 mars 1475 et est décédé le 18 février 1564. Commandé par le pape Jules II, Michel-Ange a travaillé surle plafond de la Chapelle Sixtine de mai 1508 à octobre 1512 (aucun travail n'a été effectué entre septembre 1510 et août 1511). La chapelle a été inaugurée le 1er novembre 1512, à l'occasion de la fête de la Toussaint.

La chapelle mesure 40,23 mètres de long, 13,40 mètres de large et le plafond à 20,70 mètres au-dessus du sol à son point le plus élevé1. Michel-Ange a peint une série de scènes bibliques, de prophètes et d'ancêtres du Christ, ainsi que de trompe-l'œil ou d'éléments architecturaux. La zone principale du plafond représente des histoires tirées d'histoires du livre de la Genèse, y compris la création de l'humanité, la chute de l'homme de la grâce, le déluge et Noé.

Plafond de la chapelle Sixtine: un détail

Plafond de la Chapelle Sixtine - Michel-Ange
La création d'Adam est peut-être le panneau le plus connu de la célèbre chapelle Sixtine. Notez que la composition est décentrée.Fotopress / Getty Images

Le panneau montrant la création de l'homme est probablement la scène la plus connue de la célèbre fresque de Michel-Ange au plafond de la chapelle Sixtine.

La chapelle Sixtine du Vatican a de nombreuses fresques peintes, mais est surtout célèbre pour les fresques au plafond de Michel-Ange. Une restauration approfondie a été réalisée entre 1980 et 1994 par des experts en art du Vatican, éliminant la fumée des bougies et des travaux de restauration antérieurs pendant des siècles. Cela a révélé des couleurs beaucoup plus vives qu'on ne le pensait auparavant.

Les pigments utilisés par Michel-Ange comprenaient l'ocre pour les rouges et les jaunes, les silicates de fer pour les verts, le lapis-lazuli pour les bleus et le charbon de bois pour le noir.1 Tout n'est pas peint avec autant de détails qu'il y paraît. Par exemple, les personnages du premier plan sont peints plus en détail que ceux de l'arrière-plan, ce qui ajoute à la sensation de profondeur dans le plafond.

En savoir plus sur la chapelle Sixtine:

• Musées du Vatican: Chapelle Sixtine
• Visite virtuelle de la chapelle Sixtine

Sources:
1 Musées du Vatican: La Chapelle Sixtine, site Web de l'État de la Cité du Vatican, consulté le 9 septembre 2010.

Cahier Léonard de Vinci

Cahier Léonard de Vinci au V & A Museum de Londres
Ce petit cahier de Léonard de Vinci (officiellement identifié comme Codex Forster III) se trouve au V&A Museum de Londres.Marion Boddy-Evans / Licenciée à About.com, Inc.

L'artiste de la Renaissance Léonard de Vinci est célèbre non seulement pour ses peintures mais aussi pour ses cahiers. Cette photo en montre un au V&A Museum de Londres.

Le V&A Museum de Londres possède cinq des cahiers de Léonard de Vinci dans sa collection. Celui-ci, connu sous le nom de Codex Forster III, a été utilisé par Léonard de Vinci entre 1490 et 1493 alors qu'il travaillait à Milan pour le duc Ludovico Sforza.

C'est un petit cahier, le genre de taille que vous pourriez facilement garder dans une poche de manteau. Il contient toutes sortes d’idées, de notes et de croquis, y compris des "croquis de pattes de cheval, des dessins de des chapeaux et des vêtements qui ont pu être des idées de costumes lors de bals, et un récit de l'anatomie de l'homme diriger."1 Bien que vous ne puissiez pas tourner les pages du cahier dans le musée, vous pouvez le parcourir en ligne.

La lecture de son écriture n'est pas facile, entre le style calligraphique et son utilisation de l'écriture miroir (en arrière, de droite à gauche) mais certains trouvent fascinant de voir comment il met toutes sortes de choses en un carnet. C'est un cahier de travail, pas une pièce maîtresse. Si jamais vous vous inquiétez que votre journal de créativité n'a pas été en quelque sorte correctement fait ou organisé, inspirez-vous de ce maître: faites-le comme vous en avez besoin.

La source:
1. Explorez le Forster Codices, le musée V&A. (Consulté le 8 août 2010.)

"La Joconde" - Léonard de Vinci

Mona Lisa - Léonard de Vinci
"La Joconde" de Léonard de Vinci. Peint vers 1503-19. Peinture à l'huile sur bois. Taille: 30x20 "(77x53cm). Ce célèbre tableau est maintenant dans la collection du Louvre à Paris.Stuart Gregory / Getty Images

Léonard de VinciLe tableau de "Mona Lisa", au Louvre à Paris, est sans doute le tableau le plus célèbre au monde. C'est probablement aussi l'exemple le plus connu de sfumato, une technique de peinture en partie responsable de son sourire énigmatique.

Il y a eu beaucoup de spéculations sur l'identité de la femme dans le tableau. On pense qu'il s'agit d'un portrait de Lisa Gherardini, épouse d'un marchand de tissus florentin appelé Francesco del Giocondo. (L'écrivain d'art du XVIe siècle Vasari a été parmi les premiers à le suggérer, dans ses «Vies des artistes»). Il a également été suggéré que la raison de son sourire était qu'elle était enceinte.

Les historiens de l'art savent Léonard avait commencé la "Mona Lisa" en 1503, comme un disque en a été fait cette année-là par un haut fonctionnaire florentin, Agostino Vespucci. Quand il a fini, c'est moins certain. Le Louvre datait à l'origine le tableau de 1503-06, mais les découvertes faites en 2012 suggèrent qu'il s'agissait peut-être autant d'un une décennie plus tard avant qu'il ne soit terminé sur la base du fond étant basé sur un dessin de roches qu'il est connu pour avoir fait dans 1510-15.1 Le Louvre a changé les dates en 1503-19 en mars 2012.

La source:
1. Mona Lisa aurait pu être achevée une décennie plus tard que prévu dans The Art Newspaper, par Martin Bailey, 7 mars 2012 (consulté le 10 mars 2012)

Peintres célèbres: Monet à Giverny

Monet
Monet assis à côté de l'étang aux nénuphars dans son jardin à Giverny en France.Archives Hulton / Getty Images

Photos de référence pour la peinture: «Jardin à Giverny» de Monet.

Une partie de la raison pour laquelle le peintre impressionniste Claude Monet est si célèbre est ses peintures des reflets dans les étangs de nénuphars qu'il a créés dans son grand jardin à Giverny. Cela l'a inspiré pendant de nombreuses années, jusqu'à la fin de sa vie. Il a esquissé des idées de peintures inspirées des étangs, et il a créé des peintures petites et grandes à la fois sous forme d'œuvres individuelles et de séries.

Signature de Claude Monet

Signature de Claude Monet
Signature de Claude Monet sur son tableau Nympheas de 1904.Bruno Vincent / Getty Images

Cet exemple de la façon dont Monet a signé ses peintures est tiré d'une de ses peintures de nénuphars. Vous pouvez voir qu'il l'a signé avec un prénom et un prénom (Claude Monet) et l'année (1904). C'est dans le coin inférieur droit, assez loin pour ne pas être coupé par le cadre.

Le nom complet de Monet était Claude Oscar Monet.

"Impression Sunrise" - Monet

Lever du soleil - Monet (1872)
"Impression Sunrise" par Monet (1872). Huile sur toile. Environ 18 x 25 pouces ou 48 x 63 cm. Actuellement au Musée Marmottan Monet à Paris.Buyenlarge / Getty Images

Ce tableau de Monet a donné le nom au style impressionniste d'art. Il l'exposa en 1874 à Paris dans ce qui devint la première exposition impressionniste.

Dans sa critique de l'exposition qu'il a intitulée «Exposition des impressionnistes», le critique d'art Louis Leroy a déclaré:

"Le papier peint à l'état embryonnaire est plus fini que ce paysage marin."

La source:
1. "L'Exposition des Impressionnistes" de Louis Leroy, Le Charivari, 25 avril 1874, Paris. Traduit par John Rewald en L'histoire de l'impressionnisme, Moma, 1946, pages 256-61; cité dans Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History par Bruce Altshuler, Phaidon, p42-43.

Série "Haystacks" - Monet

Série Haystack - Monet - Art Institute of Chicago
Une collection de peintures célèbres pour vous inspirer et élargir vos connaissances artistiques.Mysticchildz / Nadia / Flickr

Monet a souvent peint une série du même sujet pour capturer les effets changeants de la lumière, échangeant des toiles au fil de la journée.

Monet a peint de nombreux sujets encore et encore, mais chacune de ses peintures de la série est différente, qu'il s'agisse d'une peinture d'un nénuphar ou d'une botte de foin. Les peintures de Monet étant dispersées dans les collections du monde entier, ce n'est généralement que lors d'expositions spéciales que ses peintures de série sont considérées comme un groupe. Heureusement, le Art Institute à Chicago a plusieurs des peintures de meules de foin de Monet dans sa collection, car elles rendent impressionnantes regarder ensemble:

  • Pile de blé
  • Dégel, coucher de soleil
  • Coucher de soleil, effet de neige
  • Effet de neige, jour couvert
  • La fin de l'été

En octobre 1890, Monet écrivit une lettre au critique d'art Gustave Geffroy à propos de la série de meules de foin qu'il peignait, disant:

«Je suis dur, je travaille obstinément sur une série d'effets différents, mais à cette période de l'année, le soleil se couche si vite qu'il est impossible de le suivre... plus j'avance, plus je vois qu'il y a beaucoup de travail à faire pour rendre ce que je recherche: 'instantanéité', l '' enveloppe 'avant tout, la même lumière répartie sur tout... Je suis de plus en plus obsédé par le besoin de rendre ce que je vis, et je prie pour qu'il me reste encore quelques bonnes années parce que je pense que je pourrais faire des progrès dans cette direction... " 1

La source:
1. Monet par lui-même, p172, édité par Richard Kendall, MacDonald & Co, Londres, 1989.

"Nénuphars" - Claude Monet

Peintures célèbres - Monet
Galerie de peintures célèbres d'artistes célèbres.Photo: © davebluedevil (Creative Commons Certains droits réservés)

Claude Monet, "Nénuphars", v. 19140-17, huile sur toile. Taille 65 3/8 x 56 pouces (166,1 x 142,2 cm). Dans la collection du Musées des Beaux-Arts de San Francisco.

Monet est peut-être le plus célèbre des impressionnistes, notamment pour ses peintures des reflets dans l'étang aux nénuphars de son jardin de Giverny. Cette peinture particulière montre un petit nuage dans le coin supérieur droit et les bleus marbrés du ciel reflétés dans l'eau.

Si vous étudiez des photos du jardin de Monet, comme celui-ci de l'étang aux nénuphars de Monet et celui des fleurs de lys, et que vous les comparez à ce tableau, vous avoir une idée de la façon dont Monet a réduit les détails de son art, y compris uniquement l'essence de la scène ou l'impression du reflet, de l'eau et du lys fleur. Cliquez sur le lien "Afficher en taille réelle" sous la photo ci-dessus pour une version plus grande dans laquelle il est plus facile de se faire une idée du travail au pinceau de Monet.

Le poète français Paul Claudel a déclaré:

«Grâce à l'eau, [Monet] est devenu le peintre de ce que nous ne pouvons pas voir. Il aborde cette surface spirituelle invisible qui sépare la lumière de la réflexion. Azur aérien captif d'azur liquide... La couleur monte du fond de l'eau en nuages, en tourbillons. "

La source:
Page 262 Art de notre siècle, par Jean-Louis Ferrier et Yann Le Pichon

Signature de Camille Pissarro

Signature du célèbre artiste impressionniste Camille Pissarro
Signature de l'artiste impressionniste Camille Pissarro sur son tableau de 1870 "Paysage aux alentours de Louveciennes (automne)".Ian Waldie / Getty Images

Le peintre Camille Pissarro a tendance à être moins connu que beaucoup de ses contemporains (comme Monet) mais a une place unique dans la chronologie de l'art. Il a travaillé à la fois comme impressionniste et néo-impressionniste, et a influencé des artistes désormais célèbres tels que Cézanne, Van Gogh et Gauguin. Il était le seul artiste à exposer à tous les huit des Expositions impressionnistes à Paris de 1874 à 1886.

Autoportrait de Van Gogh (1886/1887)

Autoportrait de Van Gogh
Autoportrait de Vincent van Gogh (1886/1887). 41x32,5cm, huile sur planche d'artiste, montée sur panneau. Dans la collection de l'Art Institute of Chicago.Jimcchou / Flickr 

Cette portrait par Vincent Van Gogh fait partie de la collection de l'Art Institute of Chicago. Il a été peint en utilisant un style similaire au pointillisme mais ne colle pas strictement aux points.

Au cours des deux années où il a vécu à Paris, de 1886 à 1888, Van Gogh a peint 24 autoportraits. L'Art Institute of Chicago a décrit celui-ci comme utilisant la "technique des points" de Seurat non pas comme une méthode scientifique, mais "un langage émotionnel «dans lequel» les points rouges et verts sont dérangeants et totalement en accord avec la tension nerveuse évidente chez van Gogh's regard."

Dans une lettre quelques années plus tard à sa sœur, Wilhelmina, Van Gogh écrivit:

"J'ai peint deux photos de moi dernièrement, dont l'une a plutôt le vrai caractère, je pense, bien qu'en Hollande, ils se moqueraient probablement des idées sur la peinture de portrait qui germent ici... Je pense toujours que les photos sont abominables, et je n'aime pas les avoir dans les parages, surtout pas celles des personnes que je connais et que j'aime... les portraits photographiques dépérissent bien plus tôt que nous-mêmes, alors que le portrait peint est une chose qui se fait sentir, faite avec amour ou respect de l'être humain représenté. "

La source:
Lettre à Wilhelmina van Gogh, 19 septembre 1889

Signature de Vincent van Gogh

Vincent van Gogh Signature sur The Night Cafe
"Le café de nuit" de Vincent van Gogh (1888).Teresa Veramendi / Jaune de Vincent

Le café de nuit by Van Gogh fait maintenant partie de la collection de la Yale University Art Gallery. On sait que Van Gogh n'a signé que les tableaux dont il était particulièrement satisfait, mais ce qui est inhabituel dans le cas de ce tableau, c'est qu'il a ajouté un titre sous sa signature, "Le café de Nuit".
Remarquez que Van Gogh a signé ses tableaux simplement «Vincent», pas «Vincent van Gogh» ni «Van Gogh».

Dans une lettre à son frère Théo, écrite le 24 mars 1888, il dit:

"A l'avenir, mon nom devrait être inscrit au catalogue tel que je le signe sur la toile, à savoir Vincent et non Van Gogh, pour la simple raison qu'ils ne savent pas prononcer ce dernier nom ici."

"Ici" étant Arles, dans le sud de la France.
Si vous vous demandez comment vous prononcez Van Gogh, rappelez-vous que c'est un nom de famille néerlandais, pas français ou anglais. Donc le "Gogh" est prononcé, donc ça rime avec le "loch" écossais. Ce n'est pas «goff» ni «go».

La nuit étoilée - Vincent van Gogh

La nuit étoilée - Vincent van Gogh
La nuit étoilée de Vincent van Gogh (1889). Huile sur toile, 29x36 1/4 "(73,7x92,1 cm). Dans la collection de Moma, New York.Jean-François Richard

Ce tableau, qui est peut-être le tableau le plus célèbre de Vincent van Gogh, est dans la collection du musée d'art moderne à New York.
Van Gogh peint La nuit étoilée en juin 1889, ayant évoqué l'étoile du matin dans une lettre à son frère Théo écrite vers le 2 juin 1889: «Ce matin je j'ai vu le pays de ma fenêtre bien avant le lever du soleil, avec rien d'autre que l'étoile du matin, qui avait l'air très grande. "L'étoile du matin (en fait la planète Vénus, pas une étoile) est généralement considérée comme la grande blanche peinte juste à gauche du centre du tableau.
Les lettres précédentes de Van Gogh mentionnent également les étoiles et le ciel nocturne, ainsi que son désir de les peindre:

1. «Quand est-ce que j'arriverai jamais à faire le ciel étoilé, cette image qui est toujours dans mon esprit? (Lettre à Emile Bernard, vers le 18 juin 1888)
2. «Quant au ciel étoilé, j'espère beaucoup le peindre, et peut-être le ferai-je un de ces jours» (Lettre à Theo van Gogh, vers le 26 septembre 1888).
3. «À l'heure actuelle, je veux absolument peindre un ciel étoilé. Il me semble souvent que la nuit est encore plus richement colorée que le jour; ayant des teintes des violettes, des bleus et des verts les plus intenses. Si seulement vous y prêtez attention, vous verrez que certaines étoiles sont jaune citron, d'autres roses ou vertes, bleues et brillantes de myosotis... il est évident que mettre de petits points blancs sur le bleu-noir ne suffit pas pour peindre un ciel étoilé. "(Lettre à Wilhelmina van Gogh, 16 septembre 1888)

Le Restaurant de la Sirène, à Asnières - Vincent van Gogh

"Le Restaurant de la Sirène, à Asnières" - Vincent van Gogh
"Le Restaurant de la Sirène, à Asnières" de Vincent van Gogh.Marion Boddy-Evans (2007) / Licencié à About.com, Inc.

Cette peinture de Vincent van Gogh fait partie de la collection de l'Ashmolean Museum à Oxford, au Royaume-Uni. Van Gogh l'a peint peu de temps après son arrivée à Paris en 1887 pour vivre avec son frère Théo à Montmartre, où Théo dirigeait une galerie d'art.
Pour la première fois, Vincent découvre les peintures des impressionnistes (notamment Monet) et rencontre des artistes tels que Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard et Pissarro. Par rapport à son travail précédent, qui était dominé par des tons de terre sombre typiques des peintres du nord de l'Europe tels que Rembrandt, ce tableau montre l'influence de ces artistes sur lui.
Les couleurs qu'il utilisait se sont éclaircies et éclaircies, et son pinceau est devenu plus lâche et plus apparent. Regardez ces détails de la peinture et vous verrez comment il a utilisé de petits traits de couleur pure, mis à part. Il ne mélange pas les couleurs sur la toile, mais permet que cela se produise dans l'œil du spectateur. Il essaie le couleur cassée approche des impressionnistes.
Par rapport à ses peintures ultérieures, les bandes de couleur sont espacées, avec un fond neutre entre elles. Il ne recouvre pas encore toute la toile avec des couleurs saturées, ni n'exploite les possibilités d'utiliser des pinceaux pour créer de la texture dans la peinture elle-même.

Le Restaurant de la Sirène, à Asnières de Vincent van Gogh (Détail)

Vincent van Gogh (Musée Ashmolean)
Détails du "Restaurant de la Sirène, à Asnières" de Vincent van Gogh (huile sur toile, Ashmolean Museum).Marion Boddy-Evans (2007) / Licencié à About.com, Inc.

Ces détails de la peinture de Van Gogh Le Restaurant de la Sirène, à Asnières (dans la collection du Musée Ashmolean), montrent comment il expérimenté avec ses coups de pinceau et ses coups de pinceau après une exposition aux peintures des impressionnistes et autres parisiens contemporains artistes.

"Quatre danseurs" - Edgar Degas

"Quatre danseurs" - Edgar Degas
MikeandKim / Flickr

Edgar Degas, quatre danseurs, v. 1899. Huile sur toile. Taille 59 1/2 x 71 pouces (151,1 x 180,2 cm). Dans le Galerie nationale d'art, Washington.

"Portrait de la mère de l'artiste" - Whistler

Peinture de la mère de Whistler
"Arrangement en gris et noir n ° 1, Portrait de la mère de l'artiste" par James Abbott McNeill Whistler (1834-1903). 1871. 144,3x162,5 cm. Huile sur toile. Dans la collection du Musée d'Orsay, Paris.Bill Pugliano / Getty Images / Musée d'Orsay / Paris / France

C'est peut-être le tableau le plus célèbre de Whistler. Son titre complet est "Arrangement en gris et noir n ° 1, Portrait de la mère de l'artiste". Sa mère a accepté de poser pour le tableau lorsque le modèle que Whistler utilisait est tombé malade. Il lui a d'abord demandé de poser debout, mais comme vous pouvez le voir, il a cédé et l'a laissée s'asseoir.
Sur le mur, une gravure de Whistler, «Black Lion Wharf». Si vous regardez très attentivement le rideau en haut à gauche du cadre de la gravure, vous verrez une tache plus légère, c'est le symbole papillon que Whistler utilisait pour signer ses peintures. Le symbole n'a pas toujours été le même, mais il a changé et sa forme est utilisée pour dater son œuvre. On sait qu'il avait commencé à l'utiliser en 1869.

"Hope II" - Gustav Klimt

"Hope II" - Gustav Klimt
"Espoir II" - Gustav Klimt.Jessica Jeanne / Flickr
"Quiconque veut savoir quelque chose sur moi - en tant qu'artiste, la seule chose notable - doit regarder attentivement mes photos et essayer de voir en elles ce que je suis et ce que je veux faire." Klimt.

Gustav Klimt peint Espoir II sur toile en 1907/8 à l'aide de peintures à l'huile, d'or et de platine. Il mesure 110,5 x 110,5 cm (43,5 x 43,5 po). La peinture fait partie de la collection du musée d'art moderne à New York.
Espoir II est un bel exemple de Utilisation de la feuille d'or par Klimt dans les peintures et son riche style ornemental. Regardez la façon dont il a peint le vêtement porté par le personnage principal, comment c'est une forme abstraite décorée de cercles, mais nous le «lisons» toujours comme une cape ou une robe. Comment au fond il se fond dans les trois autres visages.
Dans sa biographie illustrée de Klimt, le critique d'art Frank Whitford a déclaré:

Klimt "a appliqué de véritables feuilles d'or et d'argent afin de renforcer encore davantage l'impression que la peinture est un objet précieux, non pas à distance un miroir dans lequel la nature peut être aperçue mais un artefact soigneusement travaillé. " 2

C'est un symbolisme qui est toujours considéré comme valide de nos jours étant donné que l'or est toujours considéré comme une marchandise précieuse.
Klimt a vécu à Vienne en Autriche et s'est inspiré davantage de l'Orient que de l'Occident, «de sources telles que Art byzantin, ferronnerie mycénienne, tapis et miniatures persans, mosaïques des églises de Ravenne et japonais écrans. " 3
La source:
1. Artistes en contexte: Gustav Klimt par Frank Whitford (Collins & Brown, Londres, 1993), quatrième de couverture.
2. Ibid. p82.
3. Faits saillants du MoMA (Musée d'art moderne, New York, 2004), p. 54

Signature de Picasso

Signature de Picasso
Signature de Picasso sur son tableau de 1903 "Portrait de l'ange Fernandez de Soto" (ou "Le buveur d'absinthe").Oli Scarff / Getty Images

C'est la signature de Picasso sur sa peinture de 1903 (de sa période bleue) intitulée «Le buveur d'absinthe».
Picasso a expérimenté diverses versions abrégées de son nom comme signature de sa peinture, y compris initiales encerclées, avant de poser sur «Pablo Picasso». Aujourd'hui, nous l'entendons généralement appelé simplement «Picasso».

Son nom complet était: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso1.

La source:
1. "Une somme de destructions: les cultures de Picasso et la création du cubisme", par Natasha Staller. Presse universitaire de Yale. Page p209.

"Le buveur d'absinthe" - Picasso

"Le buveur d
Peinture de Picasso de 1903 "Portrait de l'ange Fernandez de Soto" (ou "Le buveur d'absinthe").Oli Scarff / Getty Images

Cette peinture a été créée par Picasso en 1903, pendant sa période bleue (une époque où les tons de bleu dominaient les peintures de Picasso; quand il était dans la vingtaine). Il met en vedette l'artiste Angel Fernandez de Soto, qui était plus enthousiaste à l'idée de faire la fête et de boire que sa peinture.1, et qui a partagé un studio avec Picasso à Barcelone à deux reprises.
Le tableau a été mis aux enchères en juin 2010 par la Fondation Andrew Lloyd Webber après qu'un règlement à l'amiable ait été conclu aux États-Unis sur la propriété, suite à une affirmation de descendants du banquier juif allemand Paul von Mendelssohn-Bartholdy selon laquelle le tableau avait été sous la contrainte dans les années 1930 sous le régime nazi en Allemagne.

La source:
1. Maison de vente aux enchères Christie's communiqué de presse, «Christie's offrira un chef-d'œuvre à Picasso», 17 mars 2010.

"La tragédie" - Picasso

"La tragédie" - Picasso
"La tragédie" - Picasso.MikeandKim / Flickr

Pablo Picasso, La tragédie, 1903. Huile sur bois. Taille 41 7/16 x 27 3/16 pouces (105,3 x 69 cm). Dans le Galerie nationale d'art, Washington.

C'est de sa période bleue, lorsque ses peintures étaient, comme son nom l'indique, toutes dominées par le blues.

Esquisse de Picasso pour sa célèbre peinture "Guernica"

Esquisse de Picasso pour sa peinture Guernica
Esquisse de Picasso pour son tableau "Guernica".Gotor / Couverture / Getty Images

Tout en planifiant et en travaillant sur son énorme tableau Guernica, Picasso a fait de nombreux croquis et études. La photo montre l'un de ses composition des croquis, qui en soi ne ressemblent pas à beaucoup, une collection de lignes griffonnées.

Au lieu d'essayer de déchiffrer ce que pourraient être les différentes choses et où elles se trouvent dans la peinture finale, considérez-la comme une sténographie Picasso. Simple faire des marques pour les images qu'il gardait dans son esprit. Concentrez-vous sur la façon dont il l'utilise pour décider où placer les éléments dans la peinture, sur l'interaction entre ces éléments.

"Guernica" - Picasso

"Guernica" - Picasso
"Guernica" - Picasso.Bruce Bennett / Getty Images

Ce célèbre tableau de Picasso est énorme: 11 pieds 6 pouces de haut et 25 pieds 8 pouces de large (3,5 x 7,76 mètres). Picasso l'a peint sur commande pour le pavillon espagnol à l'Exposition universelle de 1937 à Paris. C'est dans le Museo Reina Sofia à Madrid, en Espagne.

"Portrait de Mr Minguell" - Picasso

Portrait Picasso de Minguell à partir de 1901
"Portrait de Mr Minguell" par Pablo Picasso (1901). Peinture à l'huile sur papier marouflé sur toile. Taille: 52x31,5 cm (20 1/2 x 12 3/8 pouces).Oli Scarff / Getty Images

Picasso a fait ce portrait en 1901 à l'âge de 20 ans. Le sujet est un tailleur catalan, M. Minguell, auquel on pense que Picasso a été présenté par son marchand d'art et ami Pedro Manach1. Le style montre la formation de Picasso dans la peinture traditionnelle et dans quelle mesure son style de peinture s'est développé au cours de sa carrière. Le fait qu'il soit peint sur papier est un signe que cela a été fait à une époque où Picasso était fauché, ne gagnant pas encore assez d'argent de son art pour peindre sur toile.

Picasso a offert le tableau à Minguell, mais l'a racheté plus tard et l'a toujours eu à sa mort en 1973. Le tableau a été mis sur toile et probablement également restauré sous la direction de Picasso "quelque temps avant 1969"2, quand il a été photographié pour un livre de Christian Zervos sur Picasso.

La prochaine fois que vous êtes dans l'un de ces arguments de dîner sur la façon dont tous les peintres non réalistes ne peignent que abstrait, cubiste, fauve, impressionniste, choisissez votre style car ils ne peuvent pas faire de «vrais tableaux», demandez à la personne si elle a mis Picasso dans cette catégorie (la plupart le font), puis mentionnez ce tableau.

La source:
1 & 2. Vente Bonhams 17802 Détails du Lot Vente d'Art Impressionniste et Moderne 22 juin 2010. (Consulté le 3 juin 2010.)

"Dora Maar" ou "Tête De Femme" - Picasso

"Dora Maar" ou "Tête De Femme" - Picasso
"Dora Maar" ou "Tête De Femme" - Picasso.Peter Macdiarmid / Getty Images

Lors de sa vente aux enchères en juin 2008, ce tableau de Picasso a été vendu 7 881 250 £ (15 509 512 $ US). L'estimation de la vente aux enchères était de trois à cinq millions de livres.

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso
Les Demoiselles d'Avignon par Pablo Picasso, 1907. Huile sur toile, 8 x 7 pi 8 po (244 x 234 cm). Musée d'art moderne (Moma) New York.Davina DeVries / Flickr 

Cette énorme peinture (près de huit pieds carrés) de Picasso est considérée comme l'une des œuvres d'art moderne les plus importantes jamais créées, sinon le le plus important, une peinture cruciale dans le développement de l'art moderne. Le tableau représente cinq femmes - des prostituées dans un bordel - mais il y a beaucoup de débats sur ce que tout cela signifie et toutes les références et influences qu'il contient.
Critique d'art Jonathan Jones1 dit:

«Ce qui a frappé Picasso à propos des masques africains [évidents sur les visages des personnages de droite] était le chose la plus évidente: qu'ils vous déguisent, vous transforment en autre chose - un animal, un démon, un Dieu. Le modernisme est un art qui porte un masque. Cela ne dit pas ce que cela signifie; ce n'est pas une fenêtre mais un mur. Picasso a choisi son sujet précisément parce qu'il s'agissait d'un cliché: il voulait montrer que l'originalité de l'art ne réside pas dans le récit ou la morale, mais dans l'invention formelle. C'est pourquoi il est erroné de voir Les Demoiselles d'Avignon comme un tableau "sur" les bordels, les prostituées ou le colonialisme. "

La source:
1. Punks de Pablo par Jonathan Jones, Le gardien, 9 janvier 2007.

"Femme à la guitare" - Georges Braque

"Femme à la guitare" - Georges Braque
"Femme à la guitare" - Georges Braque.Indépendant / Flickr

Georges Braque, Femme avec une guitare, 1913. Huile et fusain sur toile. 51 1/4 x 28 3/4 pouces (130 x 73 cm). Au Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris.

Le Studio Rouge - Henri Matisse

Le Studio Rouge - Henri Matisse
Le Studio Rouge - Henri Matisse.Liane / Lil'bear / Flickr

Cette peinture fait partie de la collection du Musée d'art moderne (Moma) à New York. Il montre l'intérieur de l'atelier de peinture de Matisse, avec une perspective aplatie ou un seul plan d'image. Les murs de son atelier n'étaient pas vraiment rouges, ils étaient blancs; il a utilisé le rouge dans sa peinture comme effet.
Dans son atelier sont exposés diverses de ses œuvres d'art et des morceaux de mobilier de studio. Les contours des meubles de son atelier sont des lignes dans la peinture révélant la couleur d'une couche inférieure, jaune et bleue, non peinte sur le rouge.

1. «Les lignes inclinées suggèrent de la profondeur, et la lumière bleu-vert de la fenêtre intensifie la sensation d'espace intérieur, mais l'étendue de rouge aplatit l'image. Matisse accentue cet effet, par exemple en omettant la ligne verticale du coin de la pièce. "
- MoMA Highlights, publié par Moma, 2004, page 77.
2. "Tous les éléments... plongent leurs identités individuelles dans ce qui est devenu une méditation prolongée sur l'art et la vie, l'espace, le temps, la perception et la nature de la réalité elle-même... un carrefour pour la peinture occidentale, où l'art classique du passé, tourné vers l'extérieur et principalement figuratif, rencontre l'éthos provisoire, intériorisé et autoréférentiel du futur... "
- Hilary Spurling, page 81.

La danse - Henri Matisse

Peintures de danseuse Matisse
Galerie de tableaux célèbres d'artistes célèbres "La danse" d'Henri Matisse (en haut) et le croquis à l'huile qu'il a fait pour elle (en bas).Photos © Cate Gillon (en haut) et Sean Gallup (en bas) / Getty Images

La photo du haut montre la peinture finie de Matisse intitulée La danse, achevé en 1910 et maintenant au Musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, en Russie. La photo du bas montre l'étude de composition en taille réelle qu'il a réalisée pour la peinture, maintenant en MOMA à New York, États-Unis. Matisse l'a peint sur commande du collectionneur d'art russe Sergei Chtchoukine.
C'est un immense tableau, près de quatre mètres de large et deux mètres et demi de haut (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2"), et est peint avec une palette limitée à trois couleurs: rouge, vert et bleu. Je pense que c'est une peinture qui montre pourquoi Matisse a une telle réputation de coloriste, en particulier lorsque vous comparez l'étude à la peinture finale avec ses figures éclatantes.
Dans sa biographie de Matisse (à la page 30), Hilary Spurling dit:

"Ceux qui ont vu la première version de Danser la décrivait comme pâle, délicate, voire onirique, peinte dans des couleurs rehaussées... dans la seconde version, dans une frise plate et féroce de figures vermillon qui vibrent contre des bandes de vert clair et de ciel. Les contemporains ont vu la peinture comme païenne et dionysiaque. "

Notez la perspective aplatie, comment les figures sont de la même taille plutôt que celles qui sont plus éloignées d'être plus petites comme cela se produirait en perspective ou en raccourci pour les peintures de représentation. Comment la ligne entre le bleu et le vert derrière les personnages est incurvée, faisant écho au cercle de figures.

«La surface a été colorée à saturation, au point où le bleu, l'idée de bleu absolu, était définitivement présent. Un vert vif pour la terre et un vermillon vibrant pour les corps. Avec ces trois couleurs j'ai eu mon harmonie de lumière et aussi la pureté de ton. "- Matisse

La source:
«Introduction à l 'exposition From Russian pour enseignants et étudiants» par Greg Harris, Royal Academy of Arts, Londres, 2008.

Peintres célèbres: Willem de Kooning

Willem de Kooning
Willem de Kooning peint dans son atelier à Easthampton, Long Island, New York, en 1967.Ben Van Meerondonk / Archives Hulton / Getty Images

Le peintre Willem de Kooning est né à Rotterdam aux Pays-Bas le 24 août 1904 et décédé à Long Island, New York, le 19 mars 1997. De Kooning a été apprenti dans une entreprise d'art commercial et de décoration à l'âge de 12 ans et a suivi des cours du soir à l'Académie des beaux-arts et techniques de Rotterdam pendant huit ans. Il émigre aux États-Unis en 1926 et commence à peindre à plein temps en 1936.

Le style de peinture de De Kooning était l'expressionnisme abstrait. Il a eu sa première exposition personnelle à la Charles Egan Gallery de New York en 1948, avec un corpus d'œuvres en peinture émail noir et blanc. (Il a commencé à utiliser de la peinture émail car il ne pouvait pas se permettre les pigments de l'artiste.) Dans les années 1950, il était reconnu comme l'un des leaders de l'expressionnisme abstrait, bien que certains puristes du style pensaient que ses peintures (comme le sien Femme série) inclus incluent trop de la forme humaine.

Ses peintures contiennent de nombreuses couches, des éléments superposés et cachés alors qu'il retravaillait et retravaillait une peinture. Les modifications sont autorisées à apparaître. Il a largement dessiné sur ses toiles au fusain, pour la composition initiale et en peignant. Son travail au pinceau est gestuel, expressif, sauvage, avec une sensation d'énergie derrière les traits. Le dernier coup d'œil sur les peintures est terminé mais ne l'était pas.

La production artistique de De Kooning s'étend sur près de sept décennies et comprend des peintures, des sculptures, des dessins et des gravures. Ses dernières peintures Source à la fin des années 1980. Ses peintures les plus célèbres sont Anges roses (c. 1945), Les fouilles (1950), et son troisième Femme série (1950-53) réalisée dans un style plus pictural et une approche improvisée. Dans les années 40, il travaille simultanément dans des styles abstraits et figuratifs. Sa percée est venue avec ses compositions abstraites en noir et blanc de 1948–49. Au milieu des années 1950, il peint les abstractions urbaines, revenant à la figuration dans les années 1960, puis aux grandes abstractions gestuelles dans les années 1970. Dans les années 1980, de Kooning a changé pour travailler sur des surfaces lisses, vitrage avec des couleurs vives et transparentes sur des fragments de dessins gestuels.

Gothique américain - Grant Wood

Gothique américain - Grant Wood
La conservatrice Jane Milosch au Smithsonian American Art Museum aux côtés du célèbre tableau de Grant Wood intitulé "American Gothic". Dimensions de la peinture: 78x65 cm (30 3/4 x 25 3/4 po). Peinture à l'huile sur planche de castor.Shealah Craighead / Maison Blanche / Getty Images

gothique americain est probablement la plus célèbre de toutes les peintures que l'artiste américain Grant Wood ait jamais créées. C'est maintenant à l'Art Institute de Chicago.

Grant Wood peint "American Gothic" en 1930. Il représente un homme et sa fille (pas sa femme1) debout devant leur maison. Grant a vu le bâtiment qui a inspiré la peinture à Eldon, Iowa. Le style architectural est le gothique américain, d'où le titre du tableau. Les modèles pour la peinture étaient la sœur de Wood et leur dentiste.2. Le tableau est signé près du bord inférieur, sur la combinaison de l'homme, avec le nom de l'artiste et l'année (Grant Wood 1930).

Que signifie la peinture? Wood voulait que ce soit un rendu digne du caractère des Américains du Midwest, montrant leur éthique puritaine. Mais cela pourrait être considéré comme un commentaire (satire) sur l'intolérance des populations rurales envers les étrangers. Le symbolisme dans la peinture comprend le travail dur (la fourche) et la domesticité (pots de fleurs et tablier à imprimé colonial). Si vous regardez de plus près, vous verrez les trois griffes de la fourche résonner dans les coutures de la salopette de l'homme, continuant ainsi les rayures sur sa chemise.

La source:
gothique americain, Art Institute of Chicago, récupéré le 23 mars 2011.

"Christ de Saint Jean de la Croix" - Salvador Dali

Christ de Saint-Jean de la Croix de Salvador Dali, collection de la Kelvingrove Art Gallery, Glasgow.
Christ de Saint-Jean de la Croix de Salvador Dali, collection de la Kelvingrove Art Gallery, Glasgow.Jeff J Mitchell / Getty Images

Cette peinture de Salvador Dali fait partie de la collection du Galerie d'art et musée de Kelvingrove à Glasgow, en Écosse. Il fut d'abord exposé à la galerie le 23 juin 1952. Le tableau a été acheté pour 8 200 £, ce qui était considéré comme un prix élevé même s'il incluait le droit d'auteur qui a permis à la galerie de gagner des frais de reproduction (et de vendre d'innombrables cartes postales!).
Il était inhabituel pour Dali de vendre le droit d'auteur sur une peinture, mais il avait besoin d'argent. (Les droits d'auteur restent la propriété de l'artiste à moins qu'il ne soit connecté, voir FAQ sur les droits d'auteur de l'artiste.)

"Apparemment en difficulté financière, Dali a initialement demandé 12 000 £, mais après de dures négociations... il l'a vendu pour près d'un tiers de moins et a signé une lettre à la ville [de Glasgow] en 1952 en cédant le droit d'auteur.

Le titre du tableau fait référence au dessin qui a inspiré Dali. Le dessin à la plume et à l'encre a été fait après une vision que Saint Jean de la Croix (un frère carmélite espagnol, 1542-1591) a eu dans laquelle il a vu la crucifixion du Christ comme s'il la regardait d'en haut. La composition est frappante pour son point de vue inhabituel sur la crucifixion du Christ, l'éclairage est dramatique jetant fort ombres, et une grande utilisation faite de raccourci dans la figure. Le paysage au bas de la peinture est le port de la ville natale de Dali, Port Lligat en Espagne.
La peinture a été controversée à bien des égards: le montant qui a été payé pour cela; l'objet; le style (qui paraissait plutôt rétro que moderne). En savoir plus sur la peinture sur le site Web de la galerie.

La source:
"Cas surréaliste des images Dali et une bataille pour la licence artistique"par Severin Carrell, Le gardien, 27 janvier 2009

Boîtes de soupe Campbell's - Andy Warhol

Peintures à soupe d'Andy Warhol
Peintures en étain à soupe d'Andy Warhol.© Tjeerd Wiersma / Flickr

Détail d'Andy Warhol Boîtes de soupe Campbell's. Peinture acrylique sur toile. 32 peintures chacune 20x16 "(50.8x40.6cm). Dans la collection du Musée d'art moderne (MoMA) à New York.
Warhol a exposé pour la première fois sa série de peintures de boîtes de soupe Campbell's en 1962, le bas de chaque peinture reposant sur une étagère comme le ferait une boîte de conserve dans un supermarché. Il y a 32 tableaux dans la série, le nombre de variétés de soupe vendues à l'époque par Campbell's.
Si vous aviez imaginé Warhol remplissant son garde-manger de boîtes de soupe, puis en mangeant une canette alors qu'il avait fini de peindre, eh bien, il semble que non. Selon le site Web de Moma, Warhol a utilisé une liste de produits de Campbell's pour attribuer une saveur différente à chaque peinture.
Interrogé à ce sujet, Warhol a déclaré:

«J'en buvais. J'avais l'habitude de prendre le même déjeuner tous les jours, pendant vingt ans, je suppose, la même chose encore et encore. "1

Warhol n'avait apparemment pas non plus d'ordre dans lequel il voulait que les peintures soient exposées. Moma affiche les peintures «en rangées qui reflètent l'ordre chronologique dans lequel [les soupes] ont été introduites, en commençant par« Tomate »en haut à gauche, qui a fait ses débuts en 1897.»

Donc, si vous peignez une série et que vous voulez qu'elle soit affichée dans un ordre particulier, assurez-vous d'en prendre note quelque part. Le bord arrière des toiles est probablement le meilleur car il ne sera pas séparé de la peinture (bien qu'il puisse se cacher si les peintures sont encadrées).
Warhol est un artiste souvent mentionné par les peintres désireux de réaliser des œuvres dérivées. Deux choses méritent d'être notées avant de faire des choses similaires:

  1. Sur Site Web de Moma, il y a une indication d'une licence de Campbell's Soup Co (c'est-à-dire un accord de licence entre la société de soupe et la succession de l'artiste).
  2. L'application du droit d'auteur semble avoir été moins un problème à l'époque de Warhol. Ne faites pas d'hypothèses de droits d'auteur basées sur le travail de Warhol. Faites vos recherches et décidez de votre niveau de préoccupation concernant un éventuel cas de violation du droit d'auteur.

Campbell n'a pas demandé à Warhol de faire les peintures (bien qu'ils en aient ensuite commandé une pour un président du conseil partant à la retraite en 1964) et avait des inquiétudes lorsque la marque est apparue dans les peintures de Warhol en 1962, adoptant une approche attentiste pour juger de la réponse à la peintures. En 2004, 2006 et 2012, Campbell a vendu des boîtes avec des étiquettes commémoratives spéciales Warhol.

La source:
1. Tel que cité sur Moma, consulté le 31 août 2012.

De plus grands arbres près de Warter - David Hockney

David Hockney de plus grands arbres près de Warter
David Hockney De plus grands arbres près de Warter.En haut: Dan Kitwood / Getty Images. En bas: Photo de Bruno Vincent / Getty Images

Haut: L'artiste David Hockney se tient à côté d'une partie de sa peinture à l'huile "Bigger Trees Near Warter", qu'il a fait don à la Tate Britain en avril 2008.
Bas: La peinture a été exposée pour la première fois lors de l'exposition d'été 2007 à la Royal Academy de Londres, occupant tout le mur.
La peinture à l'huile de David Hockney "Bigger Trees Near Warter" (aussi appelée Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) représente une scène près de Bridlington dans le Yorkshire. Le tableau composé de 50 toiles disposées les unes à côté des autres. Ajouté ensemble, la taille globale de la peinture est de 40 x 15 pieds (4,6 x 12 mètres).
Au moment où Hockney l'a peint, c'était la plus grande pièce qu'il ait jamais réalisée, mais pas la première qu'il ait créée à l'aide de plusieurs toiles.

" Je l'ai fait parce que j'ai réalisé que je pouvais le faire sans échelle. Lorsque vous peignez, vous devez pouvoir prendre du recul. Eh bien, il y a des artistes qui ont été tués en reculant des échelles, n'est-ce pas?"
- Hockney cité dans un Reuter bulletin de nouvelles, 7 avril 2008.

Hockney a utilisé des dessins et un ordinateur pour aider à la composition et à la peinture. Une fois la section terminée, une photo a été prise pour qu'il puisse voir toute la peinture sur ordinateur.

«D'abord, Hockney a esquissé une grille montrant comment la scène s'emboîtait sur plus de 50 panneaux. Puis il a commencé à travailler sur des panneaux individuels in situ. Pendant qu'il travaillait sur eux, ils ont été photographiés et transformés en une mosaïque informatique afin qu'il puisse suivre ses progrès, puisqu'il ne pouvait avoir que six panneaux sur le mur à la fois. "

La source:
Charlotte Higgins, Gardien correspondant artistique, Hockney fait don d'un énorme travail à Tate, 7 avril 2008.

Peintures de guerre de Henry Moore

Peinture de guerre Henry Moore
Tube Shelter Perspective Extension de Liverpool Street par Henry Moore 1941. Encre, aquarelle, cire et crayon sur papier.Tate © Reproduit avec l'autorisation de la Fondation Henry Moore

Le Exposition Henry Moore à la Tate Britain Gallery de Londres du 24 février au 8 août 2010.

L'artiste britannique Henry Moore est surtout connu pour ses sculptures, mais aussi pour son encre, sa cire et peintures à l'aquarelle de personnes se réfugiant dans les stations de métro de Londres pendant la Seconde Guerre mondiale. Moore était un artiste de guerre officiel, et le 2010 Exposition Henry Moore à la Tate Britain Gallery a une salle consacrée à ces derniers. Réalisées entre l'automne 1940 et l'été 1941, ses représentations de personnages endormis blottis dans le train les tunnels ont capturé un sentiment d'angoisse qui a transformé sa réputation et a influencé la perception populaire de la Blitz. Son travail des années 50 reflétait les conséquences de la guerre et la perspective de nouveaux conflits.
Moore est né dans le Yorkshire et a étudié à la Leeds School of Art en 1919, après avoir servi pendant la Première Guerre mondiale. En 1921, il obtient une bourse au Royal College de Londres. Il a ensuite enseigné au Royal College ainsi qu'à la Chelsea School of Art. À partir de 1940, Moore a vécu à Perry Green dans le Hertfordshire, qui abrite aujourd'hui le Fondation Henry Moore. À la Biennale de Venise de 1948, Moore a remporté le prix international de la sculpture.

"Frank" - Chuck Fermer

"Frank" - Chuck Fermer
"Frank" - Chuck Close.Tim Wilson / Flickr

"Frank" par Chuck Close, 1969. Peinture acrylique sur toile. Taille 108 x 84 x 3 pouces (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). Dans le Institut d'art de Minneapolis.

Autoportrait et portrait photographique de Lucian Freud

Peinture autoportrait de Lucian Freud
À gauche: "Autoportrait: Réflexion" de Lucian Freud (2002) 26x20 "(66x50.8cm). Huile sur toile. À droite: portrait photographique pris en décembre 2007.Scott Wintrow / Getty Images

L'artiste Lucian Freud est réputé pour son regard intense et impitoyable, mais comme le montre cet autoportrait, il le retourne sur lui-même, pas seulement sur ses modèles.

1. "Je pense qu'un grand portrait a à voir avec... le sentiment et l'individualité et l'intensité du regard et la concentration sur le spécifique. " 1
2. "... vous devez essayer de vous peindre comme une autre personne. Avec les autoportraits, la «ressemblance» devient une chose différente. Je dois faire ce que je ressens sans être expressionniste. " 2


La source:
1. Lucian Freud, cité dans Freud at Work p32-3. 2. Lucian Freud cité dans Lucian Freud par William Feaver (Tate Publishing, Londres 2002), p43.

"Le père de Mona Lisa" - Man Ray

"Le père de Mona Lisa" de Man Ray
"Le père de Mona Lisa" par Man Ray.Néologisme / Flickr

"Le père de Mona Lisa" de Man Ray, 1967. Reproduction du dessin monté sur panneau de fibres de bois, avec cigare ajouté. Taille 18 x 13 5/8 x 2 5/8 pouces (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). Dans la collection du Musée Hirshorn.
Beaucoup de gens associent Man Ray uniquement à la photographie, mais il était aussi artiste et peintre. Il était ami avec l'artiste Marcel Duchamp et a travaillé en collaboration avec lui.
En mai 1999, Nouvelles de l'art Le magazine a inclus Man Ray dans sa liste des 25 artistes les plus influents du XXe siècle, pour ses photographies et ses «explorations du cinéma, de la peinture, de la sculpture, du collage, de l'assemblage. Ces prototypes seraient appelés par la suite art de la performance et art conceptuel. "

Art News a déclaré:

«Man Ray a offert aux artistes de tous les médias un exemple d'intelligence créative qui, dans sa« poursuite du plaisir et de la liberté »[le guide déclaré de Man Ray principes] a déverrouillé toutes les portes auxquelles il arrivait et a marché librement où il le voulait. »(Citation Source: Art News, mai 1999,« Willful Provocateur »par AD Coleman.)

Cette pièce, "Le Père de Mona Lisa", montre comment une idée relativement simple peut être efficace. Le plus dur est de proposer l'idée en premier lieu; parfois ils viennent comme un éclair d'inspiration; parfois dans le cadre d'un brainstorming d'idées; parfois en développant et en poursuivant un concept ou une pensée.

Peintres célèbres: Yves Klein

Yves Klein
 Charles Wilp / Smithsonian Institution / Musée Hirshhorn

Rétrospective: Exposition Yves Klein au Hirshhorn Museum de Washington, USA, du 20 mai 2010 au 12 septembre 2010.

L'artiste Yves Klein est probablement le plus célèbre pour ses œuvres monochromes mettant en vedette son bleu spécial (voir "Living Paintbrush" par exemple). IKB ou International Klein Blue est un bleu outremer qu'il a formulé.

Se faisant appeler "le peintre de l'espace," Klein "cherchait à atteindre la spiritualité immatérielle par la couleur pure" et se préoccupait des "notions contemporaines de la nature conceptuelle de l'art"1.

Klein a eu une carrière relativement courte, moins de dix ans. Sa première œuvre publique était un livre d'artiste Yves Peintures ("Yves Paintings"), publié en 1954. Sa première exposition publique remonte à 1955. Il est décédé d'une crise cardiaque en 1962, à l'âge de 34 ans. (Chronologie de la vie de Klein du Archives Yves Klein.)

La source:
1. Yves Klein: Avec le vide, pleins pouvoirs, musée Hirshhorn, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, consulté le 13 mai 2010.

"Pinceau vivant" - Yves Klein

"Pinceau vivant" - Yves Klein
Sans titre (ANT154) par Yves Klein. Pigment et résine synthétique sur papier, sur toile. 102 x 70 pouces (259 x 178 cm). Dans la collection du musée d'art moderne de San Francisco (SFMOMA).David Marwick / Flickr

Cette peinture de l'artiste français Yves Klein (1928-1962) fait partie de la série où il utilise des "pinceaux vivants". Il a couvert les modèles de femmes nues avec sa peinture bleue signature (International Klein Blue, IKB) puis dans une œuvre d'art de la performance devant un public "peint" avec eux sur de grandes feuilles de papier en les dirigeant verbalement.
Le titre "ANT154" est dérivé d'un commentaire d'un critique d'art, Pierre Restany, décrivant le peintures réalisées comme «anthropométries de la période bleue». Klein a utilisé l'acronyme ANT comme une série Titre.

Peinture noire - Ad Reinhardt

Peinture noire d'Ad Reinhardt
Peinture noire d'Ad Reinhardt.Amy Sia / Flickr
«Il y a quelque chose de mal, d'irresponsable et d'insensé dans la couleur; quelque chose d'impossible à contrôler. Le contrôle et la rationalité font partie de ma moralité. " - Ad Reinhard en 1960 1

Cette peinture monochrome de l'artiste américain Ad Reinhardt (1913-1967) est conservée au Museum of Modern Art (Moma) de New York. C'est 60x60 "(152.4x152.4cm), huile sur toile, et a été peint 1960-61. Au cours de la dernière décennie et un peu de sa vie (il est mort en 1967), Reinhardt n'a utilisé que du noir dans ses peintures.
Amy Sia, qui a pris la photo, dit que l'huissier montre comment le tableau est divisé en neuf carrés, chacun d'une nuance de noir différente.
Ne vous inquiétez pas si vous ne pouvez pas le voir sur la photo. C'est difficile à voir même quand on est devant le tableau. En elle essai sur Reinhardt pour le Guggenheim, Nancy Spector décrit les toiles de Reinhardt comme «des carrés noirs en sourdine contenant des formes cruciformes à peine discernables [qui] défient les limites de la visibilité». 2.
La source:
1. La couleur dans l'art par John Gage, p205
2. Reinhardt by Nancy Spector, Guggenheim Museum (consulté le 5 août 2013)

Peinture de Londres de John Virtue

Peinture de John Virtue
Peinture acrylique blanche, encre noire et gomme laque sur toile. Dans la collection de la National Gallery de Londres.Jacob Appelbaum / Flickr

L'artiste britannique John Virtue peint des paysages abstraits en noir et blanc depuis 1978. Sur un DVD produit par la London National Gallery, Virtue dit que travailler en noir et blanc le force «à être inventif… à réinventer». Éviter la couleur "approfondit mon sens de la couleur qu'il y a… Le sens du réel de ce que je vois… est meilleur et plus précisément et plus transmis en n'ayant pas de palette d'huile Peinture. La couleur serait un cul-de-sac. "
C'est l'une des peintures londoniennes de John Virtue, réalisée alors qu'il était artiste associé à la National Gallery (de 2003 à 2005). Le Site Web de la National Gallery décrit les peintures de Virtue comme ayant "des affinités avec la peinture au pinceau orientale et l'expressionnisme abstrait américain" et en relation étroite avec "le grand anglais peintres paysagistes, Turner et Constable, que Virtue admire énormément "et influencés par les" paysages hollandais et flamands de Ruisdael, Koninck et Rubens ".
La vertu ne donne pas de titres à ses peintures, juste des chiffres. Dans une interview dans le numéro d'avril 2005 de Artistes et illustrateurs magazine, Virtue dit qu'il a commencé à numéroter son travail chronologiquement en 1978 lorsqu'il a commencé à travailler en monochrome:

«Il n'y a pas de hiérarchie. Peu importe que ce soit 28 pieds ou trois pouces. C'est un journal non verbal de mon existence. "

Ses peintures sont simplement appelées "Paysage n ° 45" ou "Paysage n ° 630" et ainsi de suite.

La poubelle d'art - Michael Landy

Exposition Michael Landy Art Bin à la South London Gallery
Photos d'expositions et de peintures célèbres pour élargir vos connaissances artistiques. Photos de "The Art Bin" une exposition de Michael Landy à la South London Gallery. En haut: se tenir à côté de la poubelle donne vraiment une idée de l'échelle. En bas à gauche: une partie de l'art dans la poubelle. En bas à droite: une peinture lourde encadrée sur le point de devenir une poubelle.Photo © 2010 Marion Boddy-Evans. Licencié à About.com, Inc.

L'exposition Art Bin de l'artiste Michael Landy a eu lieu au South London Gallery du 29 janvier au 14 mars 2010. Le concept est un énorme (600m3) poubelle intégrée dans l'espace de la galerie, dans laquelle l'art est jeté, "un monument à l'échec créatif"1.
Mais pas n'importe quel art ancien; vous deviez postuler pour jeter votre art dans la poubelle, soit en ligne ou à la galerie, avec Michael Landy ou l'un de ses représentants décidant s'il pouvait être inclus ou non. S'il était accepté, il était jeté dans la poubelle depuis une tour à une extrémité.

Quand j'étais à l'exposition, plusieurs pièces ont été jetées, et la personne qui faisait le lancer avait eu beaucoup de pratique de la façon dont il a pu faire glisser une peinture de l'autre côté de la récipient.
L'interprétation de l'art se dirige vers le moment où / pourquoi l'art est considéré comme bon (ou nul), la subjectivité dans le la valeur attribuée à l'art, l'acte de collectionner, le pouvoir des collectionneurs d'art et des galeries de faire ou défaire l'artiste carrières.

C'était certainement intéressant de marcher le long des côtés en regardant ce qui avait été jeté, ce qui s'était cassé (beaucoup de morceaux de polystyrène) et ce qui ne l'était pas (la plupart des peintures sur toile étaient entières). Quelque part en bas, il y avait un grand crâne décoré de verre de Damien Hirst et une pièce de Tracey Emin. En fin de compte, ce qui pourrait être serait recyclé (par exemple des civières de papier et de toile) et le reste destiné à être mis en décharge. Enterré comme des ordures, il est peu probable qu'il soit déterré dans des siècles par un archéologue.

La source:
1&2. #Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), site Web de la South London Gallery, consulté le 13 mars 2010.

Barack Obama - Shepard Fairey

Barack Obama - Shepard Fairey
«Barack Obama» de Shepard Fairey (2008). Pochoir, collage et acrylique sur papier. 60x44 pouces. National Portrait Gallery, Washington DC. Don de la collection Heather et Tony Podesta en l'honneur de Mary K Podesta.Shepard Fairey / ObeyGiant.com

Cette peinture du politicien américain Barack Obama, collage au pochoir en techniques mixtes, a été créée par un artiste de rue basé à Los Angeles, Shepard Fairey. C'était l'image de portrait centrale utilisée lors de la campagne électorale présidentielle d'Obama en 2008, et distribuée en édition limitée et en téléchargement gratuit. Il se trouve maintenant à la National Portrait Gallery de Washington DC.

1. «Pour créer son affiche Obama (ce qu'il a fait en moins d'une semaine), Fairey a pris une photo d'actualité du candidat sur Internet. Il cherchait un Obama qui avait l'air présidentiel... L'artiste a ensuite simplifié les lignes et la géométrie, employant une palette patriotique rouge, blanche et bleue (avec laquelle il joue en faisant du blanc un beige et du bleu une teinte pastel)... mots en gras ...
2. «Ses affiches Obama (et beaucoup de ses œuvres commerciales et artistiques) sont des remaniements des techniques de propagandistes révolutionnaires - les couleurs vives, les lettres audacieuses, la simplicité géométrique, les poses héroïques. "

La source: ​
«L'approbation d'Obama sur le mur» par William Booth, Washington Post 18 mai 2008.

"Requiem, roses blanches et papillons" - Damien Hirst

Damien Hirst No Love Lost Oil Paintings à la Wallace Collection
"Requiem, roses blanches et papillons" de Damien Hirst (2008). 1500 x 2300 mm. Huile sur toile. Avec l'aimable autorisation de Damien Hirst et The Wallace Collection.Prudence Cuming Associates Ltd / Damien Hirst

L'artiste britannique Damien Hirst est surtout connu pour ses animaux conservés dans du formaldéhyde, mais au début de la quarantaine, il est retourné à la peinture à l'huile. En octobre 2009, il expose pour la première fois à Londres des peintures créées entre 2006 et 2008. Cet exemple d'une peinture pas encore célèbre d'un artiste célèbre vient de son exposition à la Wallace Collection à Londres intitulée «No Love Lost». (Dates: du 12 octobre 2009 au 24 janvier 2010.)
nouvelles de la BBC a cité Hirst en disant.

"Il peint maintenant uniquement à la main", que pendant deux ans ses "peintures étaient gênantes et je ne voulais pas quiconque à entrer. "et qu'il" a dû réapprendre à peindre pour la première fois depuis qu'il était un art adolescent étudiant."1

Le communiqué de presse accompagnant l'exposition Wallace disait:

«Les peintures bleues témoignent d'une nouvelle direction audacieuse dans son travail; une série de peintures qui, selon les mots de l’artiste, sont «profondément liées au passé». "

Mettre de la peinture sur toile est certainement une nouvelle direction pour Hirst et, là où Hirst va, les étudiants en art sont susceptibles de suivre. La peinture à l'huile pourrait redevenir à la mode.
About.com's Guide to London Travel, Laura Porter, est allée à l'aperçu de la presse de l'exposition de Hirst et a obtenu une réponse à la seule question que je voulais savoir: quels pigments bleus utilisait-il?

Laura a dit que c'était "bleu de Prusse pour tous sauf un des 25 tableaux, qui est noir. "Pas étonnant que ce soit un bleu si sombre et brûlant!
Critique d'art Adrian Searle de Le gardien n'était pas très favorable aux peintures de Hirst:

«Dans le pire des cas, le dessin de Hirst a juste l'air amateur et adolescent. Son travail au pinceau manque de ce dynamisme et de ce panache qui font croire aux mensonges du peintre. Il ne peut pas encore l'emporter. "2

La source:
1 Hirst `` abandonne les animaux marinés '', BBC News, 1er octobre 2009
2. "Les peintures de Damien Hirst sont mortellement terne, "Adrian Searle, Gardien, 14 octobre 2009.

Artistes célèbres: Antony Gormley

Artistes célèbres Antony Gormley, créateur de l'Ange du Nord
L'artiste Antony Gormley (au premier plan) au premier jour de sa quatrième installation Plinth artwork à Trafalgar Square à Londres.Jim Dyson / Getty Images

Antony Gormley est un artiste britannique peut-être le plus célèbre pour sa sculpture Angel of the North, dévoilée en 1998. Il se trouve à Tyneside, dans le nord-est de l'Angleterre, sur un site qui était autrefois une mine de charbon, vous accueillant avec ses ailes de 54 mètres de large.
En juillet 2009, l'œuvre de l'installation de Gormley sur le quatrième socle de Trafalgar Square à Londres a vu un volontaire debout pendant une heure sur le socle, 24 heures sur 24, pendant 100 jours. Contrairement aux autres socles de Trafalgar Square, le quatrième socle juste à l'extérieur de la National Gallery, n'a pas de statue permanente dessus. Certains des participants étaient eux-mêmes des artistes et ont esquissé leur point de vue inhabituel (photo).
Antony Gormley est né en 1950 à Londres. Il a étudié dans divers collèges au Royaume-Uni et le bouddhisme en Inde et au Sri Lanka, avant de se concentrer sur la sculpture à la Slade School of Art de Londres entre 1977 et 1979. Sa première exposition personnelle a eu lieu à la Whitechapel Art Gallery en 1981. En 1994, Gormley a remporté le Turner Prize avec son "Field for the British Isles".
Sa biographie sur son site Internet dit:

... Antony Gormley a revitalisé l'image humaine en sculpture à travers une investigation radicale du corps comme lieu de mémoire et de transformation, utilisant son propre corps comme sujet, outil et matière. Depuis 1990, il élargit son souci de la condition humaine pour explorer le corps collectif et la relation entre soi et autrui dans des installations à grande échelle ...

Gormley ne crée pas le type de personnage qu'il fait parce qu'il ne peut pas faire de statues de style traditionnel. Il prend plutôt plaisir à la différence et à la capacité qu’elle nous donne de les interpréter. Dans une interview avec Les temps1, il a dit:

"Les statues traditionnelles ne concernent pas le potentiel, mais quelque chose qui est déjà achevé. Ils ont une autorité morale qui est oppressive plutôt que collaborative. Mes œuvres reconnaissent leur vide. "

La source:
Antony Gormley, l'homme qui a brisé le moule de John-Paul Flintoff, The Times, 2 mars 2008.

Peintres britanniques contemporains célèbres

Peintres contemporains
Peintres contemporains.Peter Macdiarmid / Getty Images

De gauche à droite, les artistes Bob et Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakeet Alison Watt.
L'occasion était une visualisation de la peinture Diane et Actéon par Titian (invisible, à gauche) à la National Gallery de Londres, dans le but de collecter des fonds pour acheter le tableau pour la galerie.

Artistes célèbres: Lee Krasner et Jackson Pollock

Lee Krasner et Jackson Pollock
Lee Krasner et Jackson Pollock à East Hampton, ca. 1946. Photo 10x7 cm. Articles de Jackson Pollock et Lee Krasner, ca. 1905-1984. Archives de l'art américain, Smithsonian Institution.Articles de Ronald Stein / Jackson Pollock et Lee Krasner

De ces deux peintres, Jackson Pollock est plus célèbre que Lee Krasner, mais sans son soutien et sa promotion de son œuvre, il pourrait bien ne pas avoir sa place dans la chronologie artistique qu'il occupe. Tous deux peints dans un style expressionniste abstrait. Krasner a lutté pour être acclamée par la critique à part entière, plutôt que d'être simplement considérée comme l'épouse de Pollock. Krasner a laissé un héritage pour établir le Fondation Pollock-Krasner, qui accorde des subventions aux artistes plasticiens.

Chevalet d'échelle de Louis Aston Knight

Louis Aston Knight et son chevalet d'échelle
Louis Aston Knight et son chevalet échelle. vers 1890 (photographe non identifié. Tirage photographique en noir et blanc. Dimensions: 18cmx13cm. Collection: Dossiers du département de référence artistique des fils de Charles Scribner, v. 1865-1957).Archives de l'art américain / Institution Smithsonian

Louis Aston Knight (1873-1948) était un artiste américain né à Paris connu pour ses peintures de paysages. Il s'est d'abord formé sous la direction de son père artiste, Daniel Ridgway Knight. Il a exposé au Salon français pour la première fois en 1894 et a continué à le faire tout au long de sa vie tout en gagnant également des éloges en Amérique. Sa peinture L'afterglow a été acheté en 1922 par le président américain Warren Harding pour la Maison Blanche.
Cette photo du Archives de l'art américain, malheureusement, ne nous donne pas de lieu, mais il faut penser que tout artiste désireux de se lancer l'eau avec son chevalet-échelle et ses peintures était soit très vouée à l'observation de la nature, soit forain.

1897: Une classe d'art pour femmes

Cours d'art William Merritt Chase
Un cours d'art pour femmes avec l'instructeur William Merritt Chase.Archives de l'art américain / Institution Smithsonian.

Cette photo de 1897 du Archives de l'art américain montre un cours d'art pour femmes avec l'instructeur William Merritt Chase. À cette époque, les hommes et les femmes suivaient séparément des cours d'art, où, en raison de l'époque, les femmes avaient la chance de pouvoir obtenir une éducation artistique.

École d'été d'art vers 1900

École d'art d'été en 1900
École d'art d'été en 1900.Archives de l'art américain / Institut Smithsonian

Des étudiants en art des cours d'été de la St Paul School of Fine Arts, Mendota, Minnesota, ont été photographiés vers 1900 avec le professeur Burt Harwood.
Mis à part la mode, les grands chapeaux sont très pratiques pour peinture à l'extérieur car il garde le soleil hors de vos yeux et empêche votre visage d'être brûlé par le soleil (comme le fait un haut à manches longues).

"Le bateau de Nelson dans une bouteille" - Yinka Shonibar

Navire de Nelson dans une bouteille sur le quatrième socle à Trafalgar Square - Yinka Shonibar
Nelson's Ship in a Bottle sur le quatrième socle à Trafalgar Square par Yinka Shonibar.Dan Kitwood / Getty Images

Parfois, c'est l'échelle d'une œuvre d'art qui lui donne un impact dramatique, bien plus que le sujet. "Nelson's Ship in a Bottle" de Yinka Shonibar est une telle pièce.

"Nelson's Ship in a Bottle" de Yinka Shonibar est un navire de 2,35 mètres de haut dans une bouteille encore plus grande. C'est une réplique à l'échelle 1:29 du vaisseau amiral du vice-amiral Nelson, le HMS La victoire.
"Nelson's Ship in a Bottle" est apparu sur le quatrième socle à Trafalgar Square à Londres le 24 mai 2010. Le quatrième socle était vide de 1841 à 1999, lorsque le premier d'une série d'œuvres d'art contemporaines en cours, commandé spécifiquement pour le socle par le Quatrième groupe de mise en service des plinthes.
L'œuvre avant "Nelson's Ship in a Bottle" était One & Other d'Antony Gormley, dans laquelle une personne différente se tenait sur le socle pendant une heure, 24 heures sur 24, pendant 100 jours.
De 2005 à 2007, vous avez pu voir une sculpture de Marc Quinn, Alison Lapper enceinte, et à partir de novembre 2007, il a été Model for a Hotel 2007 de Thomas Schutte.
Les dessins de batik sur les voiles du "Nelson's Ship in a Bottle" ont été imprimés à la main par l'artiste sur toile, inspirés du tissu d'Afrique et de son histoire. La bouteille mesure 5x2,8 mètres, en plexiglas et non en verre, et l'ouverture de la bouteille est suffisamment grande pour pouvoir monter à l'intérieur pour construire le navire.

Format

mlaapaChicago

Votre citation

Boddy-Evans, Marion. "54 Peintures Célèbres Réalisées par des Artistes Célèbres." ThoughtCo, mars. 18, 2021, thinkco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829.Boddy-Evans, Marion. (2021, 18 mars). 54 peintures célèbres réalisées par des artistes célèbres. Récupéré de https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829Boddy-Evans, Marion. "54 Peintures célèbres faites par des artistes célèbres." ThoughtCo. https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829 (consulté le 29 mars 2021).

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