En savoir plus sur "The Red Studio" par Henri Matisse

Matisse trouve sa place dans la chronologie de la peinture en raison de son utilisation de la couleur. Il a fait des choses avec des couleurs que personne n'avait auparavant et a influencé de nombreux artistes qui ont suivi. Matisse Studio rouge est important pour son utilisation de la couleur et sa perspective aplatie, son altération de la réalité et notre perception de l'espace.

Il l'a peint en 1911, après avoir été exposé à l'art islamique traditionnel lors d'une visite en Espagne, ce qui a influencé son utilisation du motif, de la décoration et de la représentation de l'espace. Studio rouge est regroupé avec trois autres tableaux réalisés par Matisse cette année-là - La famille du peintre, Le studio rose, et Intérieur aux aubergines - comme debout "à un carrefour de la peinture occidentale, où l'art classique du passé, tourné vers l'extérieur, à prédominance figurative, rencontre l'éthos provisoire, intériorisé et autoréférentiel du futur"1.

Les éléments Matisse inclus "plonger leurs identités individuelles dans ce qui est devenu une méditation prolongée sur l'art et la vie, l'espace, le temps, la perception et la nature de la réalité elle-même.

"2 Ou, en termes beaucoup plus simples, il a peint une réalité personnelle, le monde tel qu'il le percevait et le vivait, d'une manière qui lui paraissait logique.

Si vous regardez ses peintures antérieures, telles que Harmonie en rouge, peint en 1908, vous verrez que Matisse travaillait vers le style en Studio rouge, il n'est pas venu de nulle part.

Mais la perspective est tout faux...

Matisse ne s'est pas «trompé» sur la perspective, il l'a peinte comme il la voulait. Il a aplati la perspective dans la pièce et l'a modifiée par rapport à la façon dont nous percevons la perspective avec nos yeux.

La question de la «bonne perspective» ne s'applique que si vous essayez de peindre dans un style réaliste, c'est-à-dire de créer une illusion de réalité et de profondeur dans une peinture. Si ce n'est pas votre but, alors vous ne pouvez pas avoir la perspective «fausse». Et ce n'est pas que Matisse ne savait pas non plus comment faire les choses «correctement»; il a simplement choisi de ne pas le faire de cette façon.

Une peinture est finalement une représentation ou une expression de quelque chose recréé en deux dimensions, elle n’a pas à le faire comme une illusion à trois dimensions. Les styles de peinture occidentaux avant la Renaissance n’utilisaient pas ce que nous considérons maintenant comme une perspective traditionnelle (par exemple, le gothique). Les formes d'art chinois et japonais ne l'ont jamais été. Le cubisme rompt délibérément la perspective, représentant un seul objet à partir de plusieurs points de vue.

Ne vous laissez pas tromper en pensant Studio rouge est une peinture ou un style totalement plat. Il y a toujours une impression de profondeur dans la pièce, créée par la disposition des éléments. Par exemple, il y a une ligne à gauche où le sol et le mur se rencontrent (1). Le meuble peut être réduit aux contours, mais les bords de la table s'inclinent toujours à mesure qu'ils s'éloignent (2), tout comme la chaise (3). Les peintures à l'arrière sont clairement appuyées contre un mur (4), même s'il n'y a pas de séparation des parois latérales / arrière (5) dans la manière dont il y a entre le sol et la paroi latérale. Mais nous lisons le bord du grand tableau comme étant de toute façon dans le coin.

On pourrait même dire que chaque élément du tableau fait l'expérience de la perspective, mais est présenté comme si l'artiste ne la voyait que. La chaise est en perspective à deux points, la table en un, la fenêtre s'évase également jusqu'à un point de fuite. Ils sont juxtaposés, presque un collage de vues différentes.

Une peinture d'une simplicité trompeuse

Je crois que c'est une peinture avec une composition trompeusement simple. Il peut sembler que Matisse a placé des objets sur la toile de n'importe quel endroit ancien, ou qu'il a d'abord peint la table et qu'il a ensuite dû remplir le reste de l'espace avec quelque chose. Mais regardez la façon dont la disposition des éléments conduit votre regard autour du tableau.

Sur la photo, j’ai marqué ce qui est pour moi les lignes directionnelles les plus fortes, poussant votre œil du bas vers l’arrière des bords, autour et autour pour tout admirer. Bien sûr, il est possible de voir cela d’autres manières, par exemple en haut à droite, puis en travers à gauche. (Bien que la façon dont vous lisez un tableau soit influencée par la direction dans laquelle vous lisez le texte.)

Considérez comment il a peint les différents éléments, qui sont réduits à des contours et qui sont mis en évidence. Notez qu'il n'y a pas d'ombres, mais qu'il y a un reflet réfléchi sur le verre. Louchez les yeux sur le tableau pour voir les zones de lumière Ton plus clairement, et comment créer une unité dans la composition.

Vous ne pouvez pas le voir sur la photo, mais les contours ne sont pas peints sur le rouge, mais les couleurs sous le rouge transparaissent. (Si vous travaillez à l'aquarelle, vous devrez masquer ces zones, et avec de l'acrylique, peignez probablement dessus étant donné la vitesse de séchage, mais avec des huiles, vous pouvez rayure jusqu'à la couleur inférieure si cette couche était sèche.)

"Non seulement Matisse a inondé son espace pictural d’un lac plat et monochromatique à pleine saturation, submergeant l’angle oblique du studio; de plus, il traitait tout tridimensionnel comme rien de plus que des contours inscrits. Pendant ce temps, les seuls objets autorisés en couleur ou en modélisation apparaissent comme conceptuellement plats en raison de leur en eux-mêmes plats - c'est-à-dire la plaque circulaire au premier plan et les peintures accrochées au mur ou empilées contre il."
- Daniel Wheeler, L'art depuis le milieu du siècle, p16.

Une peinture autobiographique

Les éléments dans Studio rouge vous invite dans le monde de Matisse. Pour moi, le bit "vide" au premier plan se lit comme un espace au sol, où je ferais un pas pour être parmi les choses dans le studio. Les éléments forment une sorte de nid dans lequel se déroule le processus de création.

Les peintures représentées sont toutes de lui, tout comme les sculptures (1 & 2). Remarquez la boîte de crayons ou de fusain (3) sur la table, et son chevalet (4). Mais pourquoi l'horloge n'a-t-elle pas d'aiguilles (5)?

Matisse décrit-il le processus créatif? La table agit comme un récipient pour les idées de nourriture et de boisson, la nature et les matériaux de l'artiste; l'essence de la vie d'un artiste. Il y a représentation de différents sujets: portraits, nature morte, paysage. Une fenêtre pour l'éclairage. Le passage du temps est indiqué à la fois par l'horloge et les peintures encadrées / non encadrées (inachevées?). Une comparaison est faite à la tridimensionnalité du monde avec des sculptures et un vase. Enfin, il y a la contemplation, une chaise positionnée pour voir l'art.

Studio rouge n'était pas initialement rouge. Au lieu de cela "était à l'origine un intérieur bleu-gris, correspondant plus étroitement au blanc de l'atelier de Matisse tel qu'il était en réalité. Ce bleu-gris assez puissant peut encore être vu même à l'œil nu autour du haut de l'horloge et sous la peinture plus fine sur le côté gauche. Ce qui a forcé Matisse à transformer son atelier avec ce rouge éclatant a été débattu: il a même été suggéré qu'il était stimulé de la manière la plus perceptible par l'image rémanente des verts du jardin par une chaude journée."
- John Gage, Couleur et culture p212.

En elle Biographie (page 81) Hilary Spurling dit: «Les visiteurs d'Issy [l'atelier de Matisse] ont immédiatement compris que personne n'avait vu ou imaginé quoi que ce soit de tel auparavant... [Le tableau Red Studio] ressemblait à un segment de mur détaché avec des objets rudimentaires flottant ou suspendus dessus... Désormais (1911) il peint des réalités qui n'existaient que dans son esprit."

Ce n'est même pas bien peint...

• "On dirait qu'il n'a pas pu se décider où placer les choses."
• "C'est juste un méli-mélo de bits sans égard pour la conception de la composition."
• "Il aurait pu décrire ses sentiments à propos de cette pièce avec ses pièces d'une manière beaucoup plus agréable et n'aurait peut-être pas eu à l'expliquer."
• "Les pièces ne sont même pas bien peintes."

Des commentaires comme ceux-ci (faits sur le forum de peinture) soulèvent la question: "Que définissez-vous comme" bien peint "?" En avez-vous besoin avec des détails réalistes et fins? Tu veux dire pictural où vous pouvez clairement voir ce que c'est, mais il y a aussi un sens des coups de peinture / pinceau utilisés pour créer l'image? Peut-il transmettre le sens d'une chose sans détails fins? Un certain degré d'abstraction est-il acceptable?

Cela se résume finalement à des préférences personnelles, et nous avons la chance de vivre à une époque où tant de styles existent. Cependant, ne peindre que des objets pour qu'ils ressemblent à des représentations réalistes d'eux-mêmes limite beaucoup le potentiel de la peinture, à mon avis. Le réalisme n'est qu'un style de peinture. Cela semble «juste» pour beaucoup de gens à cause de l'influence de la photographie, c'est-à-dire que l'image ressemble exactement à ce qu'elle représente. Mais cela limite tellement le potentiel du médium (et de la photographie d'ailleurs).

Savoir ce que vous aimez et ce que vous n'aimez pas fait partie du développement de votre propre style. Mais rejeter le travail d'un artiste sans comprendre pourquoi vous ne l'aimez pas ou savoir pourquoi il est considéré comme un Big Deal, c'est fermer une piste potentielle de découverte. Être peintre, c'est être ouvert aux possibilités, expérimenter simplement pour voir où cela peut vous mener. Des choses inattendues peuvent provenir de sources inattendues. À maintes reprises, je reçois des e-mails de personnes qui ont abordé divers Projets de peinture disant qu'ils n'avaient jamais rien fait de tel auparavant et qu'ils avaient été agréablement surpris par les résultats. Par exemple: The Worrier and Pinpointing the Problem!.

Je ne pense pas que j'aimerai jamais les peintures de Matisse

Aimer le travail d’un artiste n’est pas la même chose que comprendre son importance dans la chronologie de l’art. Nous sommes tellement habitués à la «fausse» perspective aujourd'hui que nous n'y pensons pas beaucoup (que cela nous plaise ou non). Mais à un moment donné, un artiste a été le premier à faire cela.

Une partie de l'appréciation de Le studio rouge vient du contexte dans lequel Matisse travaillait et du concept, pas uniquement de la peinture proprement dite. Un exemple comparable serait les peintures de champ de couleur de Rothko; il est difficile d’envisager une époque où recouvrir une toile avec juste de la couleur était sans précédent.

Qui est inscrit dans les livres en tant que maître est une question de mode et dans une certaine mesure de chance, étant dans le les bons endroits ou galeries au bon moment, en demandant aux universitaires et aux conservateurs de rechercher et d'écrire sur votre travail. Matisse a traversé une période où il a été rejeté comme étant simplement décoratif (et pire), mais a été réévalué et donné un rôle plus important. Maintenant, il est bien considéré pour sa simplicité, son utilisation de la couleur, son design.