Biographie de Milton Avery, peintre moderniste américain

Milton Avery (7 mars 1885-3 janvier 1965) était un peintre moderniste américain. Il a créé un style unique d'art figuratif, abstrait dans ses formes et couleurs les plus élémentaires. Sa renommée en tant qu'artiste a augmenté et diminué au cours de sa vie, mais des réévaluations plus récentes le placent parmi les artistes américains les plus importants du XXe siècle.

Faits en bref: Milton Avery

Né fils d'un tanneur, Milton Avery est devenu un artiste travaillant relativement tard dans sa vie. Sa famille vivait dans l'État de New York à sa naissance et ils ont déménagé dans le Connecticut à l'âge de 13 ans. Avery a commencé à travailler à la Hartford Machine and Screw Company à l'âge de 16 ans et a occupé un large éventail d'emplois en usine pour subvenir à ses besoins et à ceux de sa famille. En 1915, alors qu'il avait 30 ans, la mort d'un beau-frère a fait d'Avery le seul homme adulte d'une famille de 11 personnes.

Tout en travaillant dans des usines, Milton Avery a assisté à un cours de lettrage organisé par la Connecticut League of Art Students. Malheureusement, le cours s'est arrêté après le premier mois. Le fondateur de la ligue, Charles Noel Flagg, est intervenu et a encouragé Avery à assister à un cours de dessin de vie. Il a suivi les conseils et a commencé à suivre des cours d'art le soir après avoir travaillé huit heures dans l'usine.

En 1920, Avery a passé l'été à Gloucester, Massachusetts, pour peindre à partir de la nature en plein air. C'était le premier des nombreux étés qu'il passait à chercher l'inspiration pour la peinture à partir du temps passé à admirer les milieux naturels. À l'été 1924, il rencontre Sally Michel et entame une relation amoureuse. Après le mariage du couple en 1926, ils ont pris la décision non conventionnelle de les soutenir dans son travail d'illustration afin que Milton puisse continuer ses études d'art sans distraction. "Harbour Scene" et sa représentation discrète de bateaux dans une marina est représentative du travail d'Avery durant cette période.

Lorsque Milton et Sally ont déménagé à New York à la fin des années 1920, la peinture de Milton était encore très traditionnelle, s'inspirant en grande partie du classique impressionnisme. Après le déménagement, une conversion au modernisme a permis le développement du style mature d'Avery.

L'une des influences les plus marquantes de Milton Avery dans le développement de sa peinture est l'œuvre de post-impressionniste Peintre français Henri Matisse. Les couleurs vives et l'aplatissement de la perspective en deux dimensions sont des éléments cruciaux de l'approche d'Avery. Les similitudes étaient si évidentes qu'Avery était parfois appelé le «fauve américain», se référant au mouvement français du début du XXe siècle, Fauvisme, qui s'éloignait du réalisme strict pour mettre l'accent sur les formes et les coups de pinceau aux couleurs vives.

Avery a trouvé difficile d'être accepté dans le courant dominant de l'art new-yorkais des années 1930, qui était dominé par le réalisme social granuleux d'une part et la portée de l'abstraction non représentative pure sur la autre. De nombreux observateurs le considéraient comme démodé dans sa quête d'un style qui abstrait le monde réel dans son la plupart des couleurs et des formes lumineuses de base, mais a fermement refusé d'abandonner un attachement figuratif à réalité.

Malgré le manque d'acceptation généralisée, Avery a trouvé l'encouragement de deux individus spécifiques dans les années 1930. Le célèbre financier de Wall Street et mécène de l'art moderne, Roy Neuberger, pensait que le travail de Milton Avery méritait une plus large attention. Il a commencé à collectionner le travail de l'artiste avec le tableau "Paysage gaspésien", qui était toujours accroché au mur de l'appartement de Neuberger à sa mort en 2010. Finalement, il a acheté plus de 100 tableaux Avery et en a finalement fait don à de nombreux musées du monde entier. La présence du travail d'Avery dans des collections du monde entier a contribué à accroître sa réputation des décennies après sa mort.

Dans les années 1930, Avery est également devenu un ami proche d'un collègue artiste Mark Rothko. Le travail d'Avery a fortement influencé les peintures emblématiques de ce dernier. Rothko a écrit plus tard que le travail de Milton Avery avait un «lyrisme saisissant».

Après une exposition personnelle à la Phillips Collection à Washington, DC, en 1944, la star d'Avery commence enfin à monter. Il a fait l'objet de deux expositions simultanées en 1945 dans des galeries exploitées par Paul Rosenberg et Durand-Ruel à New York. À l'approche de la fin de la décennie, Avery était l'un des meilleurs peintres modernistes américains travaillant à New York.

La tragédie a frappé en 1949. Milton Avery a subi une crise cardiaque massive. Cela a créé des problèmes de santé continus dont l'artiste n'a jamais entièrement récupéré. Le marchand d'art Paul Rosenberg a frappé un autre coup en mettant fin à sa relation avec Avery en 1950 et en vendant son stock de 50 tableaux à Roy Neuberger à bas prix. L'impact a immédiatement fait baisser le prix demandé pour les nouvelles œuvres d'Avery.

Malgré les coups portés à sa réputation professionnelle, Avery a continué à travailler quand il a récupéré suffisamment de force pour créer de nouvelles peintures. À la fin des années 1950, le monde de l'art a commencé à revoir son travail. En 1957, le célèbre critique d'art Clement Greenberg a écrit qu'il avait sous-estimé la valeur du travail de Milton Avery. En 1960, le Whitney Museum of American Art a organisé une rétrospective Avery.

Avery a passé les étés de 1957 à 1960 à Provincetown, Massachusetts, au bord de l'océan. Ce fut l'inspiration pour les couleurs vives et la taille massive de son travail de fin de carrière. Les historiens de l’art pensent que le travail à grande échelle de expressionniste abstrait les peintres ont influencé la décision d'Avery de créer des tableaux de six pieds de large.

Un morceau comme "Clear Cut Landscape" de Milton Avery montre son style de fin de carrière. Les formes de base sont presque assez simples pour être des découpes en papier, mais elles sont toujours visibles comme les éléments d'une vue paysage. Les couleurs vives font que la peinture saute pratiquement de la toile pour le spectateur.

Bien qu'Avery ait retrouvé un certain degré d'acceptation parmi les critiques d'art et les historiens, il n'a plus jamais atteint le niveau de renommée qu'il a connu dans les années 1940. Il est difficile de savoir si la montée et la chute des applaudissements ont eu un impact personnel sur l'artiste. Il a très peu écrit sur sa vie et a rarement fait des apparitions publiques. Son travail est laissé à parler de lui-même.

Milton Avery a subi une autre crise cardiaque au début des années 1960 et il a passé les dernières années de sa vie dans un hôpital du Bronx à New York. Il est décédé tranquillement en 1965. Son épouse, Sally, a fait don de ses papiers personnels à la Smithsonian Institution.

La réputation d'Avery auprès des artistes américains du XXe siècle s'est encore accrue dans les décennies qui ont suivi sa mort. Sa peinture a trouvé un juste milieu entre représentation et abstraction. Une fois qu'il a développé son style mature, Avery est resté ferme dans la poursuite de sa muse. Bien que ses toiles soient devenues plus grandes et les couleurs plus audacieuses à la fin de sa carrière, ses peintures étaient un raffinement de l'œuvre antérieure et non un changement de direction.

Des peintres de couleur comme Mark Rothko, Barnett Newman et Hans Hofmann doit peut-être la dette la plus importante au nouveau terrain ouvert par Milton Avery. Il a démontré un moyen d'abstraire son travail dans les formes et les couleurs les plus élémentaires tout en maintenant un lien fort avec la véritable essence de son sujet.

• Haskell, Barbara. Milton Avery. Harper et Row, 1982.
• Hobbs, Robert. Milton Avery: les derniers tableaux. Harry N. Abrams, 2011.