Les bases de l'histoire de l'art sur l'art de la performance: des années 1960 à aujourd'hui

Le terme "Performance Art" a fait son apparition Aux années 60 aux États-Unis. Il était à l'origine utilisé pour décrire tout événement artistique en direct qui comprenait poètes, musiciens, cinéastes, etc. - en plus des artistes visuels. Si vous n'étiez pas là dans les années 1960, vous avez raté une vaste gamme de concerts "Happenings", "Events" et Fluxus ", pour ne nommer que quelques-uns des mots descriptifs utilisés.

Il convient de noter que, même si nous faisons référence aux années 1960 ici, il y avait des précédents antérieurs pour la Performance Art. Les performances live des dadaïstes, en particulier, mêlent poésie et arts visuels. Le Bauhaus allemand, fondée en 1919, comprenait un atelier de théâtre pour explorer les relations entre l'espace, le son et la lumière. Le Black Mountain College (fondé [aux États-Unis] par des instructeurs du Bauhaus exilés par le parti nazi), a continué d'intégrer les études théâtrales aux arts visuels - 20 bonnes années avant les événements des années 60 arrivé. Vous avez peut-être également entendu parler des "Beatniks" - de manière stéréotypée: fumer des cigarettes, porter des lunettes de soleil et porter un béret noir, des habitants de cafés qui jaillissent de la poésie à la fin des années 1950 et au début des années 1960. Bien que le terme n'ait pas encore été inventé, tous étaient des précurseurs de la Performance Art.

En 1970, Performance Art était un terme mondial, et sa définition un peu plus spécifique. "L'art de la performance" signifiait que c'était en direct, et c'était de l'art, pas du théâtre. L'art de la performance signifiait également que c'était de l'art qui ne pouvait pas être acheté, vendu ou échangé comme marchandise. En fait, cette dernière phrase est d'une importance capitale. Les artistes de la performance ont vu (et voient) le mouvement comme un moyen de présenter leur art directement à un forum public, éliminant complètement le besoin de galeries, d'agents, de courtiers, de comptables et de tout autre aspect de capitalisme. C'est une sorte de commentaire social sur la pureté de l'art, vous voyez.

En plus des artistes visuels, des poètes, des musiciens et des cinéastes, la Performance Art dans les années 1970 englobe désormais la danse (chant et danse, oui, mais n'oubliez pas que c'est ne pas "théâtre"). Parfois, tout ce qui précède sera inclus dans une "pièce" de performance (on ne sait jamais). Depuis que la Performance Art est en direct, il n'y a jamais deux performances identiques.

Les années 1970 ont également vu l'apogée du "Body Art" (une ramification de la Performance Art), qui a commencé dans les années 1960. Dans le Body Art, la chair propre de l'artiste (ou la chair des autres) est la toile. L'art corporel peut aller de couvrir des volontaires avec de la peinture bleue puis de les faire se tordre sur une toile, jusqu'à l'auto-mutilation devant un public. (Le Body Art est souvent dérangeant, comme vous pouvez bien l'imaginer.)

De plus, les années 1970 ont vu l'essor de l'autobiographie incorporée dans une pièce de performance. Ce genre de narration est beaucoup plus divertissant pour la plupart des gens que, par exemple, de voir quelqu'un tirer avec une arme à feu. (Cela s'est réellement produit, dans une œuvre d'art corporel, à Venise, en Californie, en 1971.) Les pièces autobiographiques sont également une excellente plate-forme pour présenter ses opinions sur les causes ou les problèmes sociaux.

Depuis le début des années 80, la Performance Art a de plus en plus incorporé des supports technologiques en pièces - principalement parce que nous avons acquis des quantités exponentielles de nouvelles technologies. Récemment, en fait, un musicien pop des années 80 a fait la une des pièces de Performance Art qui utilisent une présentation Microsoft® PowerPoint comme point culminant de la performance. Là où va la Performance Art, il ne s'agit que d'allier technologie et imagination. En d'autres termes, il n'y a pas de limites prévisibles pour l'art de la performance.

• L'art de la performance est en direct.
• L'art de la performance n'a pas de règles ou de directives. C'est de l'art parce que l'artiste dit que c'est de l'art. C'est expérimental.
• L'art de la performance n'est pas à vendre. Il peut cependant vendre des billets d'entrée et des droits cinématographiques.
• L'art de la performance peut comprendre de la peinture ou de la sculpture (ou les deux), du dialogue, de la poésie, de la musique, de la danse, de l'opéra, des séquences de films, des téléviseurs allumés, des lumières laser, des animaux vivants et du feu. Ou tout ce qui précède. Il y a autant de variables qu'il y a d'artistes.
• L'art de la performance est un mouvement artistique légitime. Il a une longue durée de vie (certains artistes interprètes ou exécutants, en fait, ont des œuvres assez importantes) et est un programme d'études de niveau dans de nombreux établissements postsecondaires.
• Dada, Le futurisme, le Bauhaus et le Black Mountain College ont tous inspiré et contribué à ouvrir la voie à la performance artistique.
• L'art de la performance est étroitement lié à l'art conceptuel. Fluxus et Body Art sont tous deux des types d'art de la performance.
• L'art de la performance peut être divertissant, amusant, choquant ou horrifiant. Quel que soit l'adjectif qui s'applique, il est censé être mémorable.

_{La source: Rosalee Goldberg: «Performance Art: Developments from the 1960s», The Grove Dictionary of Art Online, (Oxford University Press) http://www.oxfordartonline.com/public/}