Op Art (abréviation de Optical Art) est un mouvement artistique né dans les années 1960. C'est un style d'art distinct qui crée l'illusion du mouvement. Grâce à l'utilisation de la précision et des mathématiques, d'un contraste saisissant et de formes abstraites, ces œuvres d'art nettes ont une qualité tridimensionnelle qui n'est pas vue dans d'autres styles d'art.
L'op art émerge dans les années 1960
Flashback à 1964. Aux États-Unis, nous étions encore sous le choc de l'assassinat du président John F. Kennedy, encapsulé dans le mouvement des droits civiques et "envahi" par la musique pop / rock britannique. Beaucoup de gens étaient également sur l'idée de parvenir à des modes de vie idylliques qui étaient si répandus dans les années 1950. C'était le moment idéal pour qu'un nouveau mouvement artistique éclate sur la scène.
En octobre 1964, dans un article décrivant ce nouveau style d'art, Le magazine Time a inventé l'expression "Art optique" (ou "Op Art", comme il est plus communément connu). Le terme fait référence au fait que l'Op Art est composé d'illusions et semble souvent à l'œil humain se déplacer ou respirer en raison de sa composition précise et mathématique.
Après (et à cause de) une grande exposition d'Op Art de 1965 intitulée "The Responsive Eye", le public est devenu fasciné par le mouvement. En conséquence, on a commencé à voir l'Op Art partout: dans la publicité imprimée et télévisée, comme pochette d'album LP, et comme motif de mode dans l'habillement et la décoration intérieure.
Bien que le terme ait été inventé et que l'exposition ait eu lieu au milieu des années 1960, la plupart des gens qui ont étudié ces choses conviennent que Victor Vasarely a lancé le mouvement avec sa peinture de 1938 "Zebra".
M. C. Le style d'Escher l'a parfois amené à figurer sur la liste des artistes Op, bien qu'ils ne correspondent pas tout à fait à la définition. Beaucoup de ses œuvres les plus connues ont été créées dans les années 1930 et incluent des perspectives étonnantes et l'utilisation de pavages (formes en arrangements proches). Ces deux éléments ont certainement aidé à ouvrir la voie à d'autres.
On peut également affirmer qu'aucun de l'Op Art n'aurait été possible - et encore moins adopté par le public - sans les mouvements abstraits et expressionnistes antérieurs. Ceux-ci ont ouvert la voie en désaccentuant (ou, dans de nombreux cas, en éliminant) le sujet de représentation.
L'Op Art reste populaire
En tant que mouvement "officiel", l'Op Art a une durée de vie d'environ trois ans. Cela ne signifie cependant pas que chaque artiste a cessé d'utiliser l'Op Art comme style en 1969.
Bridget Riley est un artiste remarquable qui est passé de pièces achromatiques à des pièces chromatiques, mais qui a constamment créé Op Art de ses débuts à nos jours. De plus, toute personne qui a suivi un programme post-secondaire en beaux-arts possède probablement un ou deux projets Op-ish créés au cours d'études sur la théorie des couleurs.
Il convient également de mentionner qu'à l'ère numérique, l'Op Art est parfois considéré avec perplexité. Peut-être que vous aussi, vous avez entendu le commentaire (plutôt sournois, diraient certains), "Un enfant avec le bon logiciel de conception graphique pourrait produire ce genre de choses." Il est vrai qu'un enfant doué avec un ordinateur et les logiciels appropriés à sa disposition pourrait certainement créer l'Op Art au 21e siècle.
Ce n'était certainement pas le cas au début des années 1960, et la date de 1938 du "Zèbre" de Vasarely parle de lui-même à cet égard. L'Op Art représente beaucoup de compétences en mathématiques, en planification et en technique, car rien de tout cela n'est sorti fraîchement encré d'un périphérique informatique. L'Op Art original, créé à la main, mérite à tout le moins le respect.
Quelles sont les caractéristiques de l'op art?
L'op art existe pour tromper l'œil. Les compositions d'opérations créent une sorte de tension visuelle dans l'esprit du spectateur qui donne aux œuvres illusion de mouvement. Par exemple, concentrez-vous sur "Dominance Portfolio, Blue" de Bridget Riley (1977) pendant quelques secondes et il commence à danser et à onduler devant vos yeux.
De façon réaliste, vous savoir que toute pièce Op Art est plate, statique et bidimensionnelle. Votre œil, cependant, commence à envoyer à votre cerveau le message que ce qu'il voit a commencé à osciller, à scintiller, à palpiter et à tout autre verbe que l'on peut utiliser pour signifier: «Oui! Cette peinture est en mouvement!"
L'op art n'est pas censé représenter la réalité. En raison de sa nature géométrique, l'Op Art est, presque sans exception, non représentative. Les artistes n'essaient pas de représenter tout ce que nous savons dans la vraie vie. Au lieu de cela, cela ressemble plus à de l'art abstrait dans lequel la composition, le mouvement et la forme dominent.
L'op art n'est pas créé par hasard. le éléments employés dans une œuvre d'art op sont soigneusement choisis pour obtenir un effet maximal. Pour que l'illusion fonctionne, chaque couleur, ligne et forme doit contribuer à la composition globale. Il faut beaucoup de réflexion pour réussir à créer des œuvres d'art dans le style Op Art.
L'Op Art s'appuie sur deux techniques spécifiques. Les techniques critiques utilisées dans l'Op Art sont la perspective et la juxtaposition soigneuse de la couleur. La couleur peut être chromatique (teintes identifiables) ou achromatique (noir, blanc ou gris). Même lorsque la couleur est utilisée, elles ont tendance à être très audacieuses et peuvent être complémentaires ou à contraste élevé.
L'Op Art n'inclut généralement pas le mélange des couleurs. Les lignes et les formes de ce style sont très bien définies. Les artistes n'utilisent pas d'ombrage lors de la transition d'une couleur à la suivante et, bien souvent, deux couleurs à contraste élevé sont placées l'une à côté de l'autre. Ce changement brutal est un élément clé de ce qui dérange et incite votre œil à voir le mouvement là où il n'y en a pas.
L'Op Art embrasse l'espace négatif. Dans l'Op Art - comme peut-être dans aucune autre école artistique - les espaces positifs et négatifs dans une composition sont d'égale importance. L'illusion ne pourrait pas être créée sans les deux, donc les artistes Op ont tendance à se concentrer autant sur l'espace négatif que sur le positif.