Une partie de la joie de peindre au 21e siècle est le large éventail de formes d'expression disponibles. La fin du XIXe et du XXe siècle a vu les artistes faire d'énormes progrès dans les styles de peinture. Bon nombre de ces innovations ont été influencées par les avancées technologiques, telles que l'invention du tube de peinture métallique et l'évolution des la photographie, ainsi que les changements dans les conventions sociales, la politique et la philosophie, ainsi que les événements mondiaux.
Cette liste décrit sept grands styles d'art (parfois appelés «écoles» ou «mouvements»), certains beaucoup plus réalistes que d'autres. Bien que vous ne fassiez pas partie du mouvement d'origine - le groupe d'artistes qui partageait généralement le même le style et les idées de peinture à un moment précis de l'histoire - vous pouvez toujours peindre dans les styles qu'ils ont utilisés. En apprenant ces styles et en voyant ce que les artistes qui y travaillent ont créé, puis en expérimentant vous-même différentes approches, vous pouvez commencer à développer et à développer votre propre style.
Le réalisme, dans lequel le sujet de la peinture ressemble beaucoup à la vraie chose plutôt que d'être stylisé ou abstrait, est le style que beaucoup de gens pensent comme "vrai art". Ce n'est qu'en examinant de près que ce qui semble être des couleurs unies se révèle comme une série de coups de pinceau de nombreuses couleurs et valeurs.
Le réalisme est le style dominant de la peinture depuis Renaissance. L'artiste utilise la perspective pour créer une illusion d'espace et de profondeur, en définissant la composition et l'éclairage de sorte que le sujet apparaisse réel. Léonard de Vinci "Mona Lisa"est un exemple classique du style.
Le style Painterly est apparu comme le Révolution industrielle balayé l'Europe dans la première moitié du XIXe siècle. Libérés par l'invention du tube de peinture en métal, qui a permis aux artistes de sortir du studio, les peintres ont commencé à se concentrer sur la peinture elle-même. Les sujets ont été rendus de façon réaliste, cependant, les peintres n'ont fait aucun effort pour cacher leur travail technique.
Comme son nom l'indique, l'accent est mis sur l'acte de peindre: le caractère du pinceau et des pigments eux-mêmes. Les artistes travaillant dans ce style n'essaient pas de cacher ce qui a été utilisé pour créer la peinture en lissant la texture ou les marques laissées dans la peinture par un pinceau ou un autre outil, comme un couteau à palette. Les peintures de Henri Matisse sont d'excellents exemples de ce style.
L'impressionnisme est apparu dans les années 1880 en Europe, où des artistes comme Claude Monet ont cherché à capturer la lumière, non pas à travers les détails du réalisme, mais avec le geste et l'illusion. Vous n'avez pas besoin de vous approcher trop près des nénuphars de Monet ou des tournesols de Vincent Van Gogh pour voir les touches de couleur audacieuses, cependant, il n'y a aucun doute sur ce que vous regardez.
Les objets conservent leur aspect réaliste tout en ayant un dynamisme qui leur est propre à ce style. Il est difficile de croire que lorsque les impressionnistes ont montré leurs œuvres pour la première fois, la plupart des critiques les détestaient et les ridiculisaient. Ce qui était alors considéré comme un style de peinture inachevé et rugueux est maintenant aimé et vénéré.
Expressionnisme et Fauvisme sont des styles similaires qui ont commencé à apparaître dans les studios et les galeries au début du XXe siècle. Les deux se caractérisent par leur utilisation de couleurs audacieuses et irréalistes choisies non pour représenter la vie telle qu'elle est, mais plutôt telle qu'elle se sent ou apparaît à l'artiste.
Les deux styles diffèrent à certains égards. Les expressionnistes, dont Edvard Munch, ont cherché à transmettre le grotesque et l'horreur dans la vie quotidienne, souvent avec un pinceau hyper stylisé et des images horribles, comme il l'a utilisé avec grand effet dans son La peinture "Le cri."
Les fauvistes, malgré leur nouvelle utilisation de la couleur, ont cherché à créer des compositions qui dépeignent la vie dans une nature idéalisée ou exotique. Pensez aux danseurs gambadeurs d'Henri Matisse ou aux scènes pastorales de George Braque.
Alors que les premières décennies du 20e siècle se déroulaient en Europe et en Amérique, la peinture devenait moins réaliste. L'abstraction consiste à peindre l'essence d'un sujet tel que l'artiste l'interprète, plutôt que les détails visibles. Un peintre peut réduire le sujet à ses couleurs, formes ou motifs dominants, Pablo Picasso l'a fait avec sa célèbre fresque de trois musiciens. Les interprètes, toutes les lignes et les angles vifs, ne semblent pas du tout réels, mais il ne fait aucun doute de qui ils sont.
Ou un artiste peut retirer le sujet de son contexte ou agrandir son échelle, comme l'a fait Georgia O'Keeffe dans son travail. Ses fleurs et coquillages, dépouillés de leurs moindres détails et flottant sur des fonds abstraits, peuvent ressembler à des paysages de rêve.
L'œuvre purement abstraite, comme une grande partie du mouvement expressionniste abstrait des années 1950, fuit activement le réalisme, se délectant de l'étreinte du subjectif. Le sujet ou le point de la peinture sont les couleurs utilisées, textures dans l'œuvre d'art et les matériaux utilisés pour la créer.
Les peintures au goutte-à-goutte de Jackson Pollock pourraient ressembler à un gigantesque gâchis pour certains, mais il est indéniable que les peintures murales telles que "Number 1 (Lavender Mist)" ont une qualité cinétique dynamique qui maintient votre l'intérêt. D'autres artistes abstraits, comme Mark Rothko, ont eux-mêmes simplifié leur sujet par les couleurs. Les œuvres aux champs de couleurs comme son chef-d'œuvre de 1961 "Orange, Rouge et Jaune" ne sont que cela: trois blocs de pigment dans lesquels vous pouvez vous perdre.
Le photoréalisme s'est développé à la fin des années 60 et dans les années 70 en réaction à l'expressionnisme abstrait, qui dominait l'art depuis les années 40. Ce style semble souvent plus réel que la réalité, où aucun détail n'est laissé de côté et aucun défaut n'est insignifiant.
Certains artistes copient des photographies en les projetant sur une toile pour capturer avec précision des détails précis. D'autres le font à main levée ou utilisent un système de grille pour agrandir une impression ou une photo. Chuck Close, l'un des peintres photoréalistes les plus connus, est basé sur des instantanés.