L'œuvre russe la plus ancienne connue, Vénus de Kostenki (photo), remonte à l'âge de pierre (23000-22000 av.J.-C.) et était un os de mammouth d'une figure féminine. Depuis lors, les beaux-arts russes ont revendiqué leur place comme l'une des traditions artistiques les plus importantes du monde.
Avec la christianisation de la Russie au 10e siècle, il est devenu nécessaire de produire de l'art religieux représentant des personnages de la Bible. Des artistes russes ont peint des scènes bibliques sur du bois en utilisant du jaune d'oeuf pour mélanger les couleurs et le blanc d'oeuf comme conservateur. Les icônes en bois font désormais partie de l'iconostase, un mur séparant la nef du sanctuaire. L'iconostase, qui vient des mots grecs pour «icône» et «se tenir debout», joue un rôle important dans la Église chrétienne orthodoxe, symbolisant une séparation entre le monde et le Royaume céleste. Les icônes ont été peintes par des moines anonymes qui ont passé le reste de leur temps à prier et à jeûner. Ils ont utilisé des panneaux de bouleau, de pin et de tilleul et ont gratté la partie centrale du panneau, les bords saillants créant un cadre autour de l'image.
L'école de peinture d'icônes de Novgorod produit les meilleurs exemples d'icônes, ayant échappé à la règle mongole. Elle est considérée comme l'école d'icônes la plus prolifique et la plus importante au monde. Les peintres les plus connus de cette école étaient Andrey Rublev, Théophane le Grec et Dionysius.
Au milieu du XVIe siècle, le tsar Ivan le Terrible a appelé son Stoglav (un conseil religieux) afin d'approuver la inclusion de tsars et de quelques personnages historiques dans le panthéon des personnages autorisés à être peints par peintres d'icônes. Cela a ouvert la voie à une mode pour les Parsunas (du mot latin pour les personnes) un siècle plus tard. Les mêmes techniques utilisées dans la peinture d'icônes ont commencé à être utilisées pour les peintures de situations non religieuses et les portraits, mettant l'accent sur la position sociale des modèles plutôt que sur leur caractère.
Pierre le Grand avait un grand intérêt pour les beaux-arts, notamment l'architecture mais aussi les arts visuels. Il a attiré de nombreux artistes en Russie, comme Francesco Rastrelli. Pierre le Grand a également payé une allocation aux artistes russes et les a envoyés étudier à l'étranger dans les meilleures académies d'art. L'un d'eux était Ivan Nikitin, qui est devenu l'un des premiers peintres russes à peindre en utilisant la perspective, comme cela a été fait en Occident. Dans ses premières œuvres, des traces du style Parsunas sont encore visibles.
Nikitin est considéré comme le fondateur de la tradition russe des beaux-arts. Malgré son succès à adopter une approche plus occidentale de la peinture, Nikitin était préoccupé par l'occidentalisation croissante de l'art russe et réticent à abandonner la peinture de style icône tradition. D'autres peintres notables de cette période sont Andrei Matveyev, Alexei Antropov, Vladimir Borovikovsky et Ivan Vishnyakov.
En 1757, sous le règne d'Elizabeth, la fille de Pierre le Grand, l'Académie impériale russe des arts a été créée, nommée pour la première fois Académie des trois arts les plus nobles. Il a été renommé Académie impériale par Catherine la Grande.
Les influences occidentales se sont poursuivies, le romantisme faire une impression durable sur les artistes russes du 19ème siècle. Ivan Aivazovsky, Orest Kiprensky, Vasili Tropinin, Alexei Venetsianov et Carl Bryulov étaient parmi les meilleurs peintres de l'époque.
En 1863, une révolte de certains des étudiants les plus talentueux de l'académie contre le conservatisme qui leur est enseigné conduit à la formation de la Société des expositions d'art itinérantes. Les membres de la société ont commencé à voyager à travers le pays et à prêcher la réforme sociale et politique, ainsi qu'à organiser des expositions ad hoc des œuvres d'art qu'ils ont créées au cours de leurs voyages. Ivan Kramskoy, Ilya Repin et le «tsar de la forêt» Ivan Shishkin faisaient partie des artistes itinérants.
Finalement, la société s'est effondrée en raison de désaccords internes, et l'art russe est entré dans une période de troubles qui a duré jusqu'au Révolution. Diverses sociétés ont été créées et de nouveaux styles et expositions ont vu le jour, y compris ceux des peintres d'avant-garde Mikhail Larionov et Natalia Goncharova. L'art abstrait a provoqué un tollé, avec divers mouvements abstraits et semi-abstraits. Ceux-ci comprenaient le futurisme russe, le rayonisme, le constructivisme et le suprématisme, ce dernier fondé par Kasimir Malevich. Marc Chagall, connu comme l'un des plus grands artistes russo-juifs de tous les temps, a exploré divers styles tels que le fauvisme, le surréalisme et l'expressionnisme.
Cependant, le réalisme était également fort à ce stade, avec Valentin Serov, Mikhail Vrubel, Alexander Golovin et Zinaida Serebriakova créant tous de grandes œuvres.
Les bolcheviks considéraient l'art comme un outil purement politique. Après le Révolution de 1917, les artistes n'étaient pas autorisés à créer leur art habituel et devaient désormais produire des œuvres de design industriel. Cela a conduit de nombreux artistes à quitter la Russie, notamment Chagall, Kandinsky et bien d'autres. Staline a déclaré que le réalisme social était la seule forme d'art acceptable. L'art religieux, érotique, politique et «formaliste», qui comprenait l'art abstrait, expressionniste et conceptuel, était carrément interdit.
Après la mort de Staline, une brève période de "dégel" est arrivée. Désormais, des artistes tels qu'Aleksandr Gerasimov, qui avait peint des portraits idéalisés de Staline, étaient bannis et perçus comme embarrassants, et les vues du gouvernement sur l'art sont devenues plus libérales. Cependant, cela s'est terminé rapidement après la Affaire Manege, quand Khrouchtchev a eu une discussion publique avec le sculpteur Ernst Neizvestny sur la fonction de l'art. La discussion et la fin du "dégel" qui en a résulté ont conduit au développement de l'art non-conformiste souterrain. Les artistes savaient qu'ils ne seraient pas acceptés publiquement, mais les répercussions n'étaient plus aussi graves qu'auparavant.
À partir du milieu des années 70, davantage d'artistes ont émigré, encouragés par les frontières plus ouvertes et peu disposés à rester dans l'atmosphère restrictive de l'Union soviétique. Ernst Neizvestny a déménagé aux États-Unis en 1977.
Les années 1990 ont apporté la liberté jamais connue par les artistes russes. L'art de la performance est apparu en Russie pour la première fois, et c'était une période d'expérimentation et de plaisir. Cette énorme liberté a été freinée au cours du nouveau millénaire, bien que L'art russe est encore dans sa période la plus abondante. De nombreux artistes ont trouvé une clientèle à l'intérieur et à l'extérieur de la Russie, mais il est à craindre que la censure croissante ne rende difficile la création d'art authentique. Parmi les artistes russes contemporains les plus connus figurent l'installation conceptuelle artistes Ilya et Emilia Kabakov, co-fondateur du conceptualisme moscovite Viktor Pivovarov, une artiste d'installation Irina Nakhova, Alexei Chernigin, et beaucoup plus.