Un petit tour de l'art à travers les âges

Mettez vos chaussures sensées alors que nous nous embarquons dans un extrêmement visite abrégée de l'art à travers les âges. Le but de cette pièce est de frapper les points forts et de vous fournir les bases les plus élémentaires des différentes époques de l'histoire de l'art.

Paléolithique les peuples étaient strictement chasseurs-cueilleurs et la vie était dure. Les humains ont fait un saut gigantesque dans la pensée abstraite et ont commencé à créer de l'art à cette époque. Le sujet était concentré sur deux choses: la nourriture et la nécessité de créer plus d'humains.

La glace a commencé à reculer et la vie est devenue un peu plus facile. le Période mésolithique (qui a duré plus longtemps dans le nord de l'Europe qu'au Moyen-Orient) a vu la peinture sortir des grottes et sur les rochers. La peinture est également devenue plus symbolique et abstraite.

Avance rapide vers le Âge néolithique, avec agriculture et animaux domestiques. Maintenant que la nourriture était plus abondante, les gens ont eu le temps d'inventer des outils utiles comme l'écriture et la mesure. La partie de mesure doit être utile pour les constructeurs de mégalithes.

Il convient de noter que l'art de "l'âge de pierre" a continué à prospérer dans le monde entier pour un certain nombre de cultures, jusqu'à nos jours. «Ethnographique» est un terme pratique qui signifie ici: «Ne va pas dans le sens de l'art occidental».

La «terre entre les fleuves» a vu un nombre incroyable de cultures s'élever au pouvoir et en tomber. le Sumériens nous a donné des ziggourats, des temples et beaucoup de sculptures de dieux. Plus important encore, ils ont unifié les éléments naturels et formels de l'art. le Akkadians a présenté la stèle de la victoire, dont les sculptures nous rappellent à jamais leurs prouesses au combat. le Babyloniens amélioré la stèle, en l'utilisant pour enregistrer le premier code de loi uniforme. le Assyriens se sont déchaînés avec l'architecture et la sculpture, à la fois en relief et en rond. Finalement, ce fut le Persans qui a mis toute la région - et son art - sur la carte, alors qu'ils conquéraient les terres adjacentes.

L'art dans l'Égypte ancienne était de l'art pour les morts. Les Égyptiens ont construit des tombes, des pyramides (tombes élaborées) et le Sphinx (également une tombe) et les ont décorés avec des images colorées des dieux qu'ils croyaient régner dans l'au-delà.

le Minoan culture, en Crète, et la Mycéniens en Grèce nous a apporté des fresques, une architecture ouverte et aérée et des idoles en marbre.

Les Grecs ont introduit l'éducation humaniste, qui se reflète dans leur art. La céramique, la peinture, l'architecture et la sculpture sont devenues des objets élaborés, hautement artisanaux et décorés qui ont glorifié la plus grande création de tous: les humains.

Sur la péninsule italienne, les Étrusques ont embrassé la L'Âge de bronze dans une grande mesure, produisant des sculptures remarquables pour être stylisées, ornementales et pleines de mouvement implicite. Ils étaient également des producteurs enthousiastes de tombes et de sarcophages, un peu comme les Égyptiens.

Au fur et à mesure qu'ils prenaient de l'importance, les Romains ont d'abord tenté d'éliminer Art étrusque, suivi de nombreuses attaques contre Art grec. Empruntant librement à ces deux cultures conquises, les Romains ont créé leur propre style, celui qui a de plus en plus représenté Puissance. L'architecture est devenue monumentale, les sculptures représentaient des dieux, des déesses et des citoyens éminents renommés et, en peinture, le paysage a été introduit et les fresques sont devenues énormes.

L'art paléochrétien se divise en deux catégories: celui de la période de persécution (jusqu'en 323) et celui qui a suivi Constantin le Grand christianisme reconnu: la période de reconnaissance. Le premier est connu principalement pour la construction de catacombes et d'art portable qui pourraient être cachés. La deuxième période est marquée par la construction active d'églises, de mosaïques et l'essor de la bookmaking. La sculpture a été rétrogradée en œuvres en relief uniquement - toute autre chose aurait été considérée comme des «images gravées».

Pas une transition abrupte, comme le suggèrent les dates, le style byzantin a progressivement divergé de l'art paléochrétien, tout comme l'Église orientale s'est éloignée de l'Occident. L'art byzantin se caractérise par son caractère plus abstrait et symbolique et moins préoccupé par toute prétention de profondeur - ou la force de gravité - apparente dans les peintures ou les mosaïques. L'architecture est devenue assez compliquée et les dômes ont prédominé.

À ce jour, l'art islamique est connu pour être très décoratif. Ses motifs se traduisent à merveille d'un calice à un tapis à l'Alhambra. L'Islam a des interdictions contre l'idolâtrie, nous avons donc peu d'histoire picturale en conséquence.

Ces années ont été assez chaotiques en Europe, car les tribus barbares ont cherché (et cherché, et cherché) des endroits où s'installer. Des guerres fréquentes ont éclaté et la réinstallation ethnique constante était la norme. L'art durant cette période était nécessairement petit et portable, généralement sous la forme d'épingles ou de bracelets décoratifs. La brillante exception à cet âge "sombre" de l'art s'est produite en Irlande, qui a eu la grande chance d'échapper à l'invasion. Pendant un temps.

Charlemagne a construit un empire qui n'a pas survécu à ses petits-fils querelleurs et ineptes, mais le renouveau culturel engendré par l'empire s'est avéré plus durable. Les monastères sont devenus de petites villes où les manuscrits étaient produits en masse. L'orfèvrerie et l'utilisation de pierres précieuses et semi-précieuses étaient en vogue.

le saxon Le roi Otto I a décidé qu'il pouvait réussir là où Charlemagne avait échoué. Cela n'a pas fonctionné non plus, mais l'art ottonien, avec ses fortes influences byzantines, a insufflé une nouvelle vie à la sculpture, à l'architecture et à la métallurgie.

Pour la première fois dans l'histoire, l'art est décrit par un terme autre que le nom d'une culture ou d'une civilisation. L'Europe devenait de plus en plus une entité cohésive, maintenue par le christianisme et le féodalisme. L'invention de la voûte en berceau a permis aux églises de devenir des cathédrales et la sculpture est devenue une partie intégrante de l'architecture. Pendant ce temps, la peinture a continué principalement dans les manuscrits enluminés.

«Gothique» a été inventé pour la première fois (avec dérision) pour décrire le style d'architecture de cette époque, qui s'est poursuivi bien après que la sculpture et la peinture aient quitté son entreprise. le arc gothique a permis la construction de grandes cathédrales en plein essor, qui ont ensuite été décorées avec la nouvelle technologie du vitrail. Au cours de cette période, nous commençons également à apprendre des noms plus individuels de peintres et de sculpteurs, dont la plupart semblent soucieux de mettre tout ce qui est gothique derrière eux. En fait, à partir de 1200 environ, toutes sortes de les innovations ont commencé à avoir lieu en Italie.

Ce fut le L'âge d'or de Florence. Sa famille la plus puissante, les Médicis (banquiers et dictateurs bienveillants), a généreusement dépensé des fonds sans fin pour la gloire et l'embellissement de leur République. Les artistes affluent pour une part des largesses et construisent, sculptent, peignent et finissent par remettre activement en question les «règles» de l'art. L'art, à son tour, est devenu nettement plus individualisé.

Tous les chefs-d'œuvre reconnus du terme forfaitaire "Renaissance"ont été créés au cours de ces années. Leonardo, Michelangelo, Raphael et compagnie ont fait dépassant chefs-d'œuvre, en fait, que presque chaque artiste, pour toujours, n'a même pas essayer peindre dans ce style. La bonne nouvelle est qu'à cause de ces Grands noms de la Renaissance, être artiste était désormais considéré comme acceptable.

Ici, nous avons une autre première: un abstrait terme pour une ère artistique. Les artistes de la Renaissance, après la mort de Raphaël, continuent d'affiner la peinture et la sculpture, mais ils ne cherchaient pas un nouveau style. Au lieu de cela, ils ont créé dans la technique manière de leurs prédécesseurs.

Une renaissance s'est produite ailleurs en Europe, mais pas par étapes clairement définies comme en Italie. Les pays et les royaumes s'affairaient à gagner de l'importance (combats), et il y avait cette rupture notable avec l'Église catholique. L'art a pris un siège arrière à ces autres événements, et les styles sont passés du gothique à Renaissance au baroque dans une sorte de base non cohérente, artiste par artiste.

L'humanisme, la Renaissance et la Réforme (entre autres facteurs) ont travaillé ensemble pour laisser le Moyen Âge à jamais, et l'art est devenu accepté par les masses. Les artistes de la période baroque ont introduit les émotions humaines, la passion et la nouvelle compréhension scientifique leurs œuvres - dont beaucoup conservaient des thèmes religieux, quelle que soit l'Église chère aux artistes.

Dans ce que certains jugeraient mal avisé, Rococo a fait passer l'art baroque du "régal pour les yeux" à la gourmandise visuelle pure et simple. Si l'art ou l'architecture pouvaient être dorés, embellis ou autrement repris sur le "dessus", Rococo a férocement ajouté ces éléments. Comme période, c'était (heureusement) bref.

Les choses s'étaient suffisamment relâchées, à cette époque, pour que deux styles différents puissent rivaliser pour le même marché. Le néoclassicisme se caractérise par une étude (et une copie) fidèle des classiques, combinée à l'utilisation d'éléments mis en lumière par la nouvelle science de l'archéologie. Le romantisme, en revanche, défie toute caractérisation facile. C'était plutôt une attitude—Un rendu acceptable par les Lumières et le début de la conscience sociale. Des deux, le romantisme a eu beaucoup plus d'impact sur le cours de l'art à partir de ce moment.

Oubliant les deux mouvements ci-dessus, le Réalistes a émergé (d'abord doucement, puis assez fort) avec la conviction que l'histoire n'avait pas de sens et que les artistes ne devaient pas rendre ce qu'ils n'avaient pas personnellement vécu. Dans un effort pour faire l'expérience des «choses», ils se sont impliqués dans des causes sociales et, sans surprise, se sont souvent retrouvés du mauvais côté de l'autorité. L'art réaliste se détache de plus en plus de la forme et embrasse la lumière et la couleur.

Là où le réalisme s'est éloigné de la forme, l'impressionnisme a jeté la forme par la fenêtre. Les impressionnistes étaient à la hauteur de leur nom (qu'ils n'avaient certainement pas inventé eux-mêmes): l'art était une impression, et en tant que tel, il pouvait être rendu entièrement par la lumière et la couleur. Le monde a d'abord été scandalisé par leur effronterie, puis a accepté. Avec l'acceptation vint la fin de l'impressionnisme en tant que mouvement. Mission accomplie; l'art était désormais libre de se répandre comme bon lui semblait.

le Impressionnistes tout changé quand leur art a été accepté. Dès lors, les artistes ont toute latitude pour expérimenter. Même si le public détestait les résultats, c'était toujours de l'art et accordaient ainsi un certain respect. Les mouvements, les écoles et les styles - en nombre vertigineux - sont venus, sont allés, ont divergé les uns des autres, et parfois fusionnés.

Il n'y a vraiment aucun moyen d'accorder tout de ces entités, même une brève mention ici, nous allons donc couvrir seulement quelques-uns des noms les plus connus.

C'est un titre pratique pour ce qui n'était pas un mouvement mais un groupe d'artistes (principalement Cézanne, Van Gogh, Seurat et Gauguin) qui ont dépassé l'impressionnisme et se sont lancés dans d'autres projets distincts. Ils ont gardé la lumière et la couleur apportées par l'impressionnisme mais ont essayé de mettre certains des autres éléments de art - forme et ligne, par exemple - retour dans art.

Les Fauves ("bêtes sauvages") étaient des peintres français dirigés par Matisse et Rouault. Le mouvement qu'ils ont créé, avec ses couleurs sauvages et ses représentations d'objets et de personnes primitifs, est devenu connu sous le nom d'expressionnisme et s'est répandu, notamment, en Allemagne.

En France, Picasso et Braque ont inventé Cubisme, où les formes organiques étaient décomposées en une série de formes géométriques. Leur invention s'avérerait essentielle à la Bauhaus dans les années à venir, tout en inspirant la première sculpture abstraite moderne.

Pendant ce temps, en Italie, le futurisme s'est formé. Ce qui a commencé comme un mouvement littéraire est passé à un style d'art qui embrassait les machines et l'ère industrielle.

Surréalisme était de découvrir le sens caché des rêves et d'exprimer le subconscient. Ce n'est pas un hasard si Freud a déjà publié ses études psychanalytiques révolutionnaires avant l'émergence de ce mouvement.

La Seconde Guerre mondiale (1939-1945) a interrompu tout nouveau mouvement dans l'art, mais l'art est revenu avec une vengeance en 1945. Sortant d'un monde déchiré, Expressionisme abstrait jeté tout - y compris les formes reconnaissables - sauf l'expression de soi et l'émotion brute.

En réaction contre l'expressionnisme abstrait, le Pop Art a glorifié les aspects les plus banals de la culture américaine et les a appelés art. C'était amusement l'art, cependant. Et au milieu des années 60, Op (un terme abrégé pour illusion d'optique) L'art est venu sur la scène, juste à temps pour s'intégrer parfaitement à la musique psychédélique.

Ces dernières années, l'art a changé à une vitesse fulgurante. Nous avons vu l'avènement de art de la performance, l'art conceptuel, l'art numérique et l'art du choc, pour n'en citer que quelques nouvelles.

Les idées dans l'art ne cesseront de changer et d'aller de l'avant. Pourtant, alors que nous évoluons vers une culture plus globale, notre art nous rappellera toujours notre passé collectif et respectif.